Medio Digital

TITULARES #9 DICIEMBRE 2011

2011-12-16T08:56:00.000-08:00

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La industrialización y la construcción masiva de viviendas | por Nancy Dembo
Banco Obrero en Venezuela a mediados del siglo XX | por Beatriz Meza
Fragmento de: Conversaciones con Alvar Aalto | por Juhani Pallasmaa

Fragmentos de: Conversaciones con Alvar Aalto

2011-12-14T10:15:00.000-08:00

EN LUGAR DE UN ARTÍCULO. 1958

Sigfried Giedion: ¡Qué ven mis ojos, amigo mío! ¡Estás pensando en ponerte a escribir?
Alvar Aalto: No, pero no queda más remedio, tengo que hacerlo.
SG: Pero esto es inaudito; creía que eras uno de los pocos arquitectos, si no el único, que no escribía, que sólo construye. ¿De verdad quieres hacerlo?
AA: Por supuesto que no, pero ¿qué remedio me queda? Me lo ha pedido Wickberg y también las buenas maneras aconsejan escribir el artículo.
SG: ¿Sobre qué piensas escribir?
AA: No lo sé
SG: Pero si has sido profesor, algo podrás escribir, así sin más.
AA: Para mí, ese “no lo sé” es un asunto serio. Precisamente cuando era profesor en Estados Unidos tenía que hablar y escribir bastante. Mis alumnos querían saber mucho; preferentemente, saberlo absolutamente todo. Entre otras cosas me preguntaron cómo se hacía un buen arte. Yo les contesté: “No lo sé”. El impacto fue catastrófico, hasta el punto de que un día los padres de un alumno mío vinieron desde lejos, desde más allá de Vancouver, para hablar conmigo, y lo primero que me dijeron fue lo siguiente: “Pagamos setecientos dólares cada trimestre por los estudios de nuestro aplicado hijo y el profesor dice: ‘No lo sé’”. Esto probablemente puso fin a mi corta carrera como profesor.
SG: Pero si hasta has escrito poemas. ¿Por qué no les entregas uno y sales del paso?
AA: No debes ser consciente de lo que dices, querido amigo. Dios creó el papel para que en él se dibuje arquitectura; todo lo demás ―por lo menos para mí― es un uso impropio del mismo; Torheit (necedad) que diría Zarathustra. Claro que he escrito poemas, pocos, aunque sin duda buenos, pero se han escrito en arena, y los poemas escritos en arena no son adecuados para editoriales o revistas. Su editor es el viento, un magnífico editor.
(Sócrates: así sucede en todas las artes; todas utilizan palabras, pero sólo aquellas palabras propias de un determinado objetivo artístico. También hay artes en las que no es conveniente hablar; nacen mejor en el silencio)
No publicaré poemas, pues. Preferiría publicar documentación de mis obras, pero es extensa y no resulta apropiada para una revista.
SG: ¿no crees que de todos modos deberías escribir algo?
AA: el horóscopo de hoy para la arquitectura no es bueno, lo cual no tiene demasiada gracia. El paralelepípedo de vidrio y metal ―el inhumano purismo dandi de las grandes metrópolis― ha conducido a una forma de construcción que no tiene vuelta atrás; el camino se cierra.
SG: Pero también hay muertas de una arquitectura viva y humana.
AA: Cierto pero la que acabo de mencionar es más popular en este mundo naif. Peor aún: ha llevado a la búsqueda del contraste; la búsqueda incompetente y falta de juicio, de la variación. Las zonas residenciales con sus masas de construcciones diferentes, artificialmente rebuscadas: la diversidad de motivos nos e corresponde con la valiosa y bella naturaleza de las variaciones biológicas que encontramos en el ser humano. Muchas veces son como las exposiciones de las ferias comerciales y, en el caso de los edificios públicos, destaca el formalismo cimentado en la propaganda del diseño industrial y la horrorosa falta de proporción de los automóviles norteamericanos. Los niños adultos juegan con curvas y tensiones que no dominan. Por encima de todo ello, flota una mentalidad al más puro estilo de Hollywood.
SG: y el hombre queda en el olvido…
AA: La arquitectura ―la verdadera― sólo existe allí donde el protagonista es ese pequeño hombre común y corriente, allí donde él es el centro, con su tragedia y su comedia.

Pallasmaa, J. 2010. Conversaciones con Alvar Aalto. Barcelona:Gustavo Gilli.

Banco Obrero en Venezuela a mediados del siglo XX

2011-12-12T09:12:00.000-08:00

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por Beatriz Meza

DURANTE EL SIGLO XX EL DÉFICIT HABITACIONAL PREVALECIÓ EN VARIOS PAISES DEL MUNDO, incluyendo a Venezuela, donde se hicieron propuestas acordes con las políticas gubernamentales para solucionar el problema. A largo de la llamada década militar (1948-1958) el Banco Obrero, ente oficial creado en 1928 para facilitar a los obreros la adquisición de casas baratas e higiénicas, genera proyectos que toman referencias de la tradición constructiva local como de la europea de los años veinte, incorporándose también ideas del arquitecto suizo Le Corbusier.
La producción estatal de vivienda durante los años mencionados alcanzó cerca de las treinta mil unidades situadas en 21 ciudades del país y distribuidas en 54 asentamientos que reflejan diversidad arquitectónica y urbanística en parcelamientos con casas unifamiliares aisladas, pareadas o continuas que siguen un trazado en cuadrícula con escasos o ningún servicio comunal, como Santa Eduvigis en Caracas, en urbanizaciones que se acercan al concepto de unidad vecinal con separación de tráficos vehicular y peatonal, áreas para uso público y mezcla de bloques bajos e hileras de casas, como Gil Fortoul en Barquisimeto, además de las unidades de habitación que condensan servicios, espacios comunitarios y viviendas en edificios de alta densidad y gran altura que usualmente ignoran el entorno existente, como 24 de Noviembre en Maiquetía.
Si bien el número de unidades residenciales erigidas en el país entre fines de 1948 y enero de 1958 supera ampliamente la cantidad construida por el Banco Obrero en sus veinte años anteriores y gran parte de los planteamientos arquitectónico-urbanísticos se alinean con las tendencias disciplinares de avanzada de su época, hay que resaltar que el 75% de esas viviendas se ubica en Caracas y la mayoría corresponde a los superbloques, lo cual evidencia que la declarada “labor nacional” del Estado tiende a enfocarse en la capital y refuerza el centralismo político y económico del cual el tema habitacional es concreta manifestación.

La industrialización de los procesos de producción como opción a la construcción masiva de vivienda

2011-12-12T08:39:00.000-08:00

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por Nancy Dembo

EL DESARROLLO TECNOLÓGICO, ASOCIADO A LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL, fue considerado por muchos como el gran recurso que permitiría resolver los problemas sociales. Luego de transcurrido más de un siglo, es factible afirmar que no es atribuible a la técnica la exclusiva responsabilidad de los males de la sociedad contemporánea. La crisis ambiental mundial y la pobreza de las soluciones que caracteriza a un gran porcentaje de lo que se construye en el mundo, redirige la responsabilidad hacia el hombre y el manejo de la tecnología, trascendiendo las barreras sociales, generacionales o geográficas. En términos generales, es interesante el hecho de que los procesos de industrialización de la construcción, como la prefabricación y tantos otros, estimulan la racionalidad de los proyectos con las obvias consecuencias de ahorro en el gasto de material, dominio en la producción de desperdicios y un mejor control de calidad que asegura la durabilidad del producto final, lo que resulta en total empatía con las exigencias de sostenibilidad, tema ineludible en la gestación de nuevas ideas orientadas hacia el cómo debemos construir.

En Venezuela el interés por la sistematización de los procesos de producción tuvo un importante capítulo que abarca las décadas de los sesenta y setenta, tiempo durante el cual se realizaron diversas experiencias que abarcan desde la producción masiva de viviendas, pasando por la producción de edificaciones educacionales y de servicio, hasta obras únicas como la ampliación del Museo de Bellas Artes, de Carlos Raúl Villanueva.

Aun cuando es posible percibir en dichas experiencias la influencia de los sistemas constructivos desarrollados en la posguerra europea, también hemos de reconocer que esa influencia fue más de carácter conceptual que práctico y que los aportes en el diseño de las herramientas y procesos estuvieron signados por un sello definitivamente endógeno. La actividad constructiva permitió en ese entonces desmitificar el tema de la industrialización de los procesos de construcción y concluir que tanto la producción de componentes o encofrados, según el caso, como la manipulación de los mismos, no eran más complejas que los procesos asociados a la construcción tradicional. Pero, más contundente aún, permitió evaluar nuevas fórmulas para abordar, tanto desde el campo disciplinar como gerencial, el tema de la construcción masiva de viviendas y las estrategias anticipatorias que permitirían programar la producción y avanzar en la búsqueda de una mayor productividad. De allí la importancia de reflexionar sobre las acciones pasadas en favor de las generaciones futuras.

LEYENDA DE FIGURAS QUE ACOMPAÑAN EL TEXTO:

Figura 01

Edificio de vivienda. Sistema Simix. Combina el vaciado de las paredes portantes utilizando encofrados racionalizados con la prefabricación de las losas.

Figura 02

Edificio de vivienda. Sistema C4. Banco Obrero. Componentes prefabricados, columnas, vigas y losas, que conforman los pórticos de concreto.

Figura 03

Edificación educacional. Sistema Concacero. Paredes portantes y losas prefabricadas construidas sobre la base de marcos de acero rellenos de concreto.

Figura 04

Edificación educacional. Sistema Siema. Columnas y cerchas conformadas a partir de la combinación de perfiles de acero, complementadas con losacero como solución a las placas de piso y techo.

Figura 05

Edificio de usos múltiples. Museo de Bellas Artes. Ampliación de las salas de exposición. Estructura prefabricada a partir de componentes de concreto armado ensamblados a través del postensado.

TITULARES #8 noviembre 2011

2011-11-07T09:02:00.000-08:00

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¿Babel? | por Gustavo Legórburu
Las granjas verticales: dibujos de un escenario de subsistencia | por Glenda Yépez
Los rascacielos | por Gustavo Izaguierre Luna

¿Babel?

2011-11-07T08:58:00.001-08:00

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por Gustavo Luis Legórburu

CUANDO PIENSO EN RASCACIELOS me viene siempre a la memoria la historia de la Torre de Babel y su trágico final. Los hombres desafiaron a Yahveh construyendo una torre tan alta que llegara al cielo, para hacerse famosos y nunca más estar dispersos sobre la faz de la tierra. En castigo Yahveh dispersó y confundió las lenguas de aquel pueblo unido en un lugar, por un sólo idioma y con un sólo propósito. Hoy, ese pueblo disperso ha logrado unificar, en varios lugares, la misma intención con un sólo idioma: la del rascacielos resplandeciente.
Para Hugh Ferris (1889-1962), dibujante y arquitecto norteamericano, el rascacielos resume “nuestro dominio civilizatorio sobre la naturaleza” porque en él se conjugan las capacidades tecnológicas de dominación, es decir, la coincidencia entre la constitución tectónica y la expresión simbólica en la Arquitectura. En sus dibujos, Ferriss neutraliza la opresiva masividad de sus propuestas formales (The Metropolis of Tomorrow) con teatrales efectos de luz, haciéndolas aparecer como gigantescas formaciones cristalinas. El cristal representa en sus diseños el orden numérico y geométrico de la naturaleza. Así, lo cristalino es la materia idónea para una “cultura que sólo se reconoce en la subordinación de la naturaleza a las leyes abstractas de la razón” (Eduardo Subirats, La flor y el cristal). Pero aunque para Ferriss la dimensión histórica de esa dominación no es política sino cultural, en algunos, quizá ya muchos casos, los resplandecientes rascacielos de cristal sólo hablan de poder y dominio económico, si no cómo explicarnos el 11 de septiembre o el espejismo de Dubai.
“Architecture never lies” (la Arquitectura nunca miente) afirmaba Ferriss y, sin embargo, pareciera que ha mentido mucho. Si valoramos esta afirmación, ha llegado el momento de repensar el rascacielos. De allí que son bienvenidas las iniciativas como “The Annual Skyscraper Competition” que la revista eVolo organiza desde hace relativo poco tiempo. Su propósito es redefinir, a través de un concurso internacional, el diseño del rascacielos en lo relativo al uso de nuevas tecnologías, materiales y programas, adaptándolos a nuestras cada vez más precarias condiciones ambientales y variadas condiciones culturales. En definitiva, restituir el balance de nuestro “poder civilizatorio”. Quizás así, por esta vez, Dios tenga piedad de nosotros.

Las granjas verticales: dibujos de un escenario de subsistencia

2011-11-07T08:58:00.000-08:00

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por Glenda Yépez

LA INVASIÓN DE ÁREAS ECOLÓGICAMENTE FRÁGILES, la necesidad de asegurar el acceso a la tierra fértil y a la seguridad alimentaria y las tendencias climáticamente inteligentes, han llevado a generar ideas y proyectos “verdes” en algunas ciudades. Se han promovido nuevos espacios para el cultivo, como los techos y patios traseros de las edificaciones, y se propagan ideas sobre la agricultura en vertical. Precisamente en Inglaterra y Estados Unidos, a través de los programas que fomentan el desarrollo sostenible, se investiga sobre la viabilidad ambiental y económica de esta última modalidad: edificios abastecidos con energía solar, donde el residuo se reutiliza y recicla para cerrar el ciclo de una gestión sostenible y ecológica.

Si imagináramos el contexto de una ciudad que excedió su capacidad de carga y que no tiene terrenos cercanos para la producción agrícola, sería justo y responsable preocuparse por tener proyectos que integren un modelo sostenible de consumo y producción, con adaptación e innovación de tecnologías para la seguridad alimentaria y nutricional, y que, a la vez, presenten ideas de mejoramiento del paisaje urbano. Pensar en la factibilidad de la técnica de las granjas verticales o en lo socialmente deseable para un determinado lugar no es el problema. La dificultad está en comprender las necesidades reales del conjunto, las relaciones del sistema, ciudad, periferia y campo. Pensar que la solución son grandes estructuras verticales con capacidad para cultivar una variedad de productos del campo no nos convence.

Moldear las necesidades nutricionales de una ciudad es complejo, los grandes asentamientos humanos no son puntos fáciles de alimentar, nos hemos expandido y en consecuencia el paisaje natural se deteriora ambientalmente. Dentro de unos 40 o 50 años habrá mayor concentración de la población en las ciudades y necesitaremos el triple de la cantidad de carnes, vegetales y lácteos. Si nos vamos a centrar en el alimento como punto de subsistencia, no creemos que la solución sea el rascacielos verde comestible, pero sí apostamos por una red de “granjas” verticales u horizontales de pequeña escala, conectadas con otras tipologías de infraestructuras como los mercados con cultivos locales. Sumándole, además, un porcentaje bien repartido de techos verdes con espacios municipales para invernaderos, donde también se concentre la enseñanza sobre la agricultura urbana.

Tenemos la necesidad de conectarnos nuevamente con la naturaleza y aprender de sus modelos para fomentar ciudades productivas. Recordemos algunas utopías o conocimientos antiguos, como la “Ciudad jardín” de Howard o los principios de diseño de hábitats aptos para la vida, que se promovieron a finales de los años setenta, para abrir la discusión; volvamos sobre la “Permacultura” como teoría de sostenimiento o simplemente entendamos lo que promovió Fukuoka en el año 75 en su trabajo “Revolución de una brizna de paja”; regresemos al campo, a cultivarlo sin labrarlo y promovamos la agricultura natural.

Conceptualizando un escenario, podemos deducir que un modelo visto aisladamente de la totalidad no es una cosa real; si queremos imaginar cualquier sistema de agricultura permanente, sea en granjas verticales, techos verdes o en tu patio trasero, sería válido sólo si consideramos las complejidades físicas, sociales y culturales de cada sistema. Los cambios de actitud también son importantes, recordemos que la sostenibilidad de las buenas prácticas, tanto en el urbanismo como en la agricultura, va a depender del establecimiento de límites en nuestras formas de consumir y producir.

Los rascacielos

2011-11-07T08:57:00.000-08:00

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por Gustavo Izaguirre Luna

NO CABE DUDA DE QUE EL RASCACIELOS atrapa nuestra imaginación porque es el arquetipo de edificación privada o pública que irrumpe en un lugar para imponerse. Satisfacer el sueño del promotor del proyecto, ya sea por prestigio como por marcar algún récord, escribir el nombre de una ciudad en la mente de todos o por vanidad, es también la oportunidad para crear el lugar esperado por un colectivo —con diversos intereses— y su arquitecto. Un encargo por pocos realizado establece un vínculo entre los miembros del equipo de proyectos, el entorno, los lugareños, la industria de la construcción del país o región y quien demanda el encargo.
El desarrollo del Durj Dubai, proyecto que especula sobre la construcción de una edificación de más de 828 metros de altura —el doble de las Petronas en Kuala Lumpur, de 1998—, se basa en la tecnología en investigación que incorpora nuevos sistemas de circulación vertical, nuevos materiales con atributos no imaginados para su resistencia a la compresión, e incorporación de avances en los sistemas de amortiguadores con fluidos densos para efectos de los vientos y sismos; y su arquitectura hace suya la propuesta de de Frank Lloyd Wright, hecha en 1956: el Mile High, ejercicio de proyecto utópico para Illinois. Empero, el lugar está en construcción partiendo de un paisaje natural (lo preexistente) que poco aporta al proyecto y, por otra parte, el proyecto es mudo y no se divierte con el paisaje para crear un lugar.
A pesar de que se sigan ideando rascacielos funcionales, en nuestras latitudes se están proyectando edificios altos que reflexionan y dialogan con una propuesta de ciudad, lugar y espacio público con calidad, necesaria para que al vincularse con la urbe le ayude a resaltar sus valores para sentirse renovadas. Celebramos las propuestas que en esta dirección han hecho Senerman con la Titanium La Portada, primer edificio alto de Latinoamérica con certificación LEED (edificio verde); o las propuestas de espacio público que conecta el adentro con la calle de +arquitectos (Brahm, Bonomi, Gatica, Leturia y de la Jara) en el Edificio Corporativo CCU en Santiago de Chile; así como la propuesta de rascacielos con espacio público más allá del edificio y para la ciudad de Famiglietti en Caracas, para la nueva sede de la CAF.

TITULARES #7 JUNIO 2011

2011-06-24T18:40:00.000-07:00

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Los edificios altos | por María Fernanda Jaua
Metamorfosis: la venganza en la torre de David | por Juan José Pérez Rancel
Invadiendo el cielo | por Rafael Machado
Superhéroes y rascacielos | por Ricardo Sanz

Los edificios altos

2011-06-24T18:31:00.001-07:00

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por María Fernanda Jaua

ES CONOCIDO QUE EL ORIGEN DEL RASCACIELOS MODERNO está asociado con el desarrollo de la tecnología. Las nuevas posibilidades que ofrecía permitieron construir más pisos de los que se habían hecho hasta las últimas décadas del siglo XIX. La invención del ascensor fue imprescindible, de nada servía poder construir más pisos si pocos podían subir a ellos. Gracias a ambos se ha podido repetir el área de una planta cada vez más veces, a medida que ese desarrollo ha continuado.

Los primeros edificios altos no lo eran tanto. Tenían unos diez pisos, más o menos el doble de lo que se puede subir por una escalera. Se construyeron en varias ciudades de los Estados Unidos, sobre todo en Chicago y Nueva York. Unos junto a otros, adosados según los criterios de la ciudad tradicional que estaban transformando, fueron configurando una escala hasta entonces desconocida.

Los arquitectos tuvieron que enfrentarse a un nuevo tipo de construcción con unas proporciones completamente diferentes. No había antecedentes para aquellas novedosas dimensiones. Muchos de los primeros edificios altos se resolvieron como si fueran varios superpuestos.

Louis Sullivan solucionó el problema apelando a la tradición de dividir los edificios en tres partes. Un basamento y una gran cornisa en los extremos, con un número variable de pisos entre ambos, convertidos en un solo cuerpo mediante pilastras sobresalientes. Una columna, sobre la que ironizó Loos en el concurso para el Chicago Tribune.

Desde entonces el rascacielos se ha seguido transformando. El aumento de su altura condujo al escalonamiento para respetar el gabarito. El estilo Art Decó modificó su apariencia: las ornamentaciones geométricas le dieron un aspecto novedoso, más acorde con su juventud, y la solución de las fachadas mediante estrechas bandas verticales enfatizó con orgullo su nueva dimensión.

Mies van der Rohe sustituyó este modelo por otro conforme con el desarrollo alcanzado a mediados del siglo pasado: la torre que se eleva en contrapunto al espacio que ofrece a la ciudad, con una fachada de piezas industriales, que se perfecciona en cada solución.

La universalidad y la flexibilidad de estos modelos han permitido una enorme variedad de soluciones particulares. La mayor parte de los edificios altos de la segunda mitad del siglo XX, y de lo que llevamos de este, revelan su vigencia. Pero en la relación entre lo universal y lo particular la balanza ha ido inclinándose a favor del segundo. En la carrera por sobresalir no sólo en altura, sino sobre todo en apariencia, el resultado ha ido perdiendo la coherencia con la disciplina. Por eso cada vez los tomamos menos en serio.

Metamorfosis: la venganza en la torre de David

2011-06-24T18:31:00.000-07:00

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por Juan José Pérez Rancel

POR UN LADO, CRECÍAN LOS BARRIOS sobre las colinas de Caracas. A pesar de los superbloques que pretendieron absorber la demografía, en los rincones, quebradas y vertientes brotaban las habitaciones temporales que solucionaban más rápidamente las necesidades urgentes de cama y cobijo. Las llamaron "ranchos" aquí, y cumplían el eterno ciclo de la vivienda de masas: comenzar de forma precaria y consolidarse poco a poco. Así, Caracas para 1990 tenía barrios de cincuenta años de fundados, otros de cuarenta y otros más jóvenes que siguieron ocupando la geografía urbana. En estos últimos se reproducían los problemas que los más viejos habían superado por sí mismos, abandonados por los gobiernos. Y al mismo tiempo crecía un modo de vida al margen de la razón, de la higiene, de la convivencia, de la justicia, de la civilización.

Paralela y simultáneamente, crecieron las torres de oficinas, desde las que fueron símbolo de la modernidad arquitectónica de Caracas y llevaban el nombre de Simón, hasta las bancarias y de aseguradoras que se levantaban con chocancia ante la miseria creciente, atiborrando con lujo los espacios, sin dejar separación ni oxígeno ni comunidad ni orden.

Entonces, vinieron ellos, los olvidados. Ocuparon la arquitectura que surgió de espaldas a ellos y que ya estaba en crisis al colapsar el modelo de ocupación. Trasladaron a las alturas sus subsistencias, sus ranchos, su higiene no enseñada, sus hábitos no aprendidos, sus necesidades no atendidas, sus precarios cartones eternamente provisionales, sus riesgos y sus lacras junto a sus sueños y sus esperanzas. Y tomaron el símbolo del auge: la tercera torre más grande de Venezuela, uno de los rascacielos más grandes de esta Latinoamérica dolida.

Y la torre devino barrio, la arquitectura chocó contra su propia exclusión, la promiscuidad cobró venganza y se instaló en las alturas, para alumbrar como un faro a la ciudad, proclamando el fracaso del populismo, de los falsos redentores, de la planificación, de la modernidad. El triunfo de la modernidad inconclusa sobre la posmodernidad prematura.

Ver más en:

http://traficovisual.com/La_Torre_de_David_Un_informe_de_la_arquitectura_desde_Caracas_por_Jesus_Fuenmayor.aspx
http://www.el-nacional.com/www/site/p_contenido.php?q=med/186194/Ciudad/Una-ciudadela-en-la-Torre-Confinanzas/f

Invadiendo el cielo

2011-06-24T18:30:00.000-07:00

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por Rafael Machado

CARACAS, SAN PAULO Y DETROIT son algunas de las ciudades que se identifican fundamentalmente por sus ruinas. Pero estas ruinas no son majestuosas como las del mundo antiguo, sino restos de la arquitectura y de las estructuras contemporáneas que alguna vez fueron —o quisieron ser— algo. No se convirtieron en ruinas por el paso del tiempo, ni por desastres naturales ni por guerras o despoblación, sino por falta de mantenimiento, desidia política y varias crisis económicas.

Estos factores, en combinación con la escasez de vivienda provocada por la falta de iniciativa tanto del sector privado como del Estado para el desarrollo inmobiliario, han tenido consecuencias como la invasión de rascacielos por grupos de personas que no consiguen dónde vivir. No se trata de un fenómeno nuevo, pero en estos tiempos es más notorio que nunca, no sólo por el tamaño de estos edificios, sino por la atención que le han otorgado los medios de comunicación, tanto nacionales como internacionales.

Es cierto que este fenómeno llama la atención de los medios por motivos político-partidistas, pero también porque llama a una reflexión necesaria sobre futuro de estas ciudades. Sin embargo, lo que más llama la atención de la invasión a los rascacielos es la reproducción de muchas de las condiciones existentes en los asentamientos informales, o ‘barrios’, como le dicen en Venezuela: la apropiación del lugar de vivienda se hace a través de la invasión. El número de pisos que deben subir estas personas por las escaleras (debido a la falta de mantenimiento o incluso ausencia de ascensores) equivale al recorrido normal que harían si vivieran en los cerros de la ciudad, donde escasea el trasporte público o las vías son inaccesibles. Así, pues, se reproducen las deficiencias del barrio, pero también valores como el sentido del colectivo y del espacio público. Esto nos debe llevar a reflexionar sobre la naturaleza misma de los asentamientos informales en las ciudades: ¿por qué se reproducen ciertos patrones? ¿Es ésta una alternativa en la ciudad?

Ver más en: http://www.flickr.com/photos/jcombari/sets/72157625716902132/with/5310276527/

Superhéroes y rascacielos

2011-06-24T18:27:00.000-07:00

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por Ricardo Sanz

EL 3 DE MARZO DE 1962, el año siguiente de la publicación de Los cuatro fantásticos por la editorial Marvel Comics, los protagonistas aparecieron viviendo en un rascacielos asentado en la ciudad de Nueva York. A partir de este momento, esta entidad arquitectónica ha funcionado como elemento de trasgresión argumental contra la tradición meramente escenográfica establecida desde 1938 con la aparición de Superman, de Jerry Siegel y Joe Shuster. En adelante estos superhéroes no estarán relegados parcialmente a una cueva o al polo norte como resultado de una doble vida, todo el mundo puede saber quiénes son, han sido asimilados a la cotidianidad de la vida contemporánea a plenitud, su casa es el rascacielos.

Se ha reemplazado la sugestión del misterio por un tipo de aproximación valorativa a ciertos modos de vida propios de la modernidad, que el rascacielos como hogar y no como entorno incidental comunica efectivamente. Lo que esto representó es quizás la renovación definitiva dentro del género del superhéroe sin poner en peligro la definición fundamental de estos personajes, las últimas modificaciones al relato súper heroico hacen demasiado borrosos los propios límites del concepto.

El nuevo tipo arquitectónico del rascacielos, definido entre 1910 y 1930 por lo menos en su imagen más tradicional, va a ser el hogar de los cuatro fantásticos: el edificio Baxter, de treinta y cinco pisos, construido en un ficticio año de 1949, ubicado en la calle 42 entre la Gran Estación Central en la avenida Park y la biblioteca pública en la 5º avenida.

El rascacielos y el género del superhéroe, originales de la cultura estadounidense, han desarrollado desde Superman y a lo largo de la historia del cómic una relación de inestimable valor para la construcción de las habilidades propias de estos personajes. Estas edificaciones son utilizadas reiteradamente por sus creadores para distanciar a los superhéroes de la gente corriente o para acercarlos. El tipo arquitectónico se convirtió en mediador de las capacidades súper humanas de estos personajes a lo largo de la historia del género.

TITULARES #6 ABRIL 2011

2011-04-25T10:44:00.000-07:00

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REFLEJAR / DESAPARECER. Arquitectura y paisaje a través del cristal | por Gustavo Legórburu
ORA ET LABORA: magia y paisaje | por Guadalupe Tamayo
El arte de construir ciudad | por Patricia Morales
Fragmentos de: Espacio basura. Rem Koolhaas. Premio Pritzker año 2000 | Selección de Equipo editorial MI

>La imagen de fondo de esta edición es de Carolina Galli. Serie: Vetro espresso

REFLEJAR / DESAPARECER. Arquitectura y paisaje a través del cristal

2011-04-25T10:39:00.002-07:00

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por Gustavo Legórburu

LA ARQUITECTURA Y EL PAISAJE son un binomio ciertamente extraño de difícil balance, pues en la medida en que toma presencia alguno siempre es en menoscabo del otro. Hay en paisaje urbano, por ejemplo, un constructo que en el mejor de los casos pretende proteger nuestra vida —muy humana— de la inmensidad del paisaje-territorio. Nos crea un mundo artificial distinto del natural, un límite, un adentro y un afuera. Sin embargo, en la medida en que el proceso de urbanización civilizatoria se ha ido consolidando a escala planetaria, mucho del paisaje-territorio ha quedado adentro, pasando a integrar lo que se ha dado por llamar, el ‘paisaje ordenado’.
    Pero no podemos dejar de ser seres naturales, seres inevitablemente ligados a la naturaleza, tampoco nuestro entorno artificial puede sustraerse de las condiciones ambientales. A veces, al hacer Arquitectura aprendemos del paisaje y logramos un equilibrio magnífico entre ambos; pero otras muchas, no tanto. En todo caso, el paisaje no tiene nada que aprender de la Arquitectura.
    Sin embargo, aún quedan fragmentos del paisaje-territorio que podemos evocar dentro del gran paisaje-ordenado. Por ejemplo, en la Puerta de nubes, de Anish Kapoor, el 80% de su superficie refleja el hermoso cielo de Chicago, la ciudad del viento, pero siempre bajo la tutela del skyline de la ciudad, tanto o más famoso que su cielo. La Serpentine Gallery Pavillion, de Sejima y Nishizawa, otro ejemplo, es una hermosa nube temporal de metal que no refleja al cielo: lo fragmenta con los reflejos del suelo que la ancla. Jean Nouvel incorpora un cedro del Líbano, Arbol de Libertad, plantado por Chateaubriand en 1823 al evanescente diseño de su Fundación Cartier, pero le coloca, contradictoriamente, dentro de una maceta. La doctora Edith Farnsworth demandó a Mies van der Rohe —de lo que se hizo eco una revista con el nombre de House beautifull— por exceso de exposición al paisaje. La tumba en Piribebuy de Solano Benítez, a mi juicio el más honesto y profundo, trata el tema con mucha gracia al representar el origen de toda esta historia y demarcar sutilmente un territorio: establecer un límite, un adentro en un afuera.
    Cuando Alicia, el personaje de Lewis Carroll, vence su reflejo y traspasa el espejo en Through the looking-glass, descubre para su tranquilidad que con ella también están todos los objetos de la habitación. No es sino pasado un tiempo cuando nota, sin embargo, que hay algo distinto en ellos: algunos tienen vida. Todos los ejemplos citados anteriormente tienen —todos— algo en común, aparte de buena publicidad: explotan esa cualidad transparente, reflejante y cambiante del cristal, pero también en ellos cobran vida algunos ideales y algunos ídolos.
    No hace ni un siglo atrás, Paul Scheerbart anunciaba la necesidad y el comienzo de una etapa superior de nuestra cultura, ligada casi exclusivamente a una arquitectura de cristal (Glasarchitektur,1914), llamada a materializar los ideales de una sociedad más igualitaria. De allí que la cualidades del cristal comenzaran a representar para muchos arquitectos los ideales de libertad, transparencia y, ¿por qué no?, democracia. Pero llegó el día en el que las corporaciones se apropiaron del cristal y aquellos ideales se desvanecieron. Cambiante, como es el reflejo, llegó a asociarse con poder y estatus: los ideales se transformaron en ídolos. No hay sino que pasearse por Caracas para constatar lo que aquí expongo. Cuando esto sucede con la arquitectura ésta se separa del paisaje y cae, inevitablemente, en la tentación de la hipocresía y la superficialidad.

ORA ET LABORA: magia y paisaje

2011-04-25T10:39:00.001-07:00

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por Guadalupe Tamayo

HOY POCOS EDIFICIOS establecen una relación entre arquitectura y paisaje como la abadía Benedictina de Güigüe, el último proyectado por Jesús Tenreiro Degwitz. En esta edificación que se apodera con gran maestría del paisaje circundante, Tenreiro dejó plasmada un alma para el edificio: “el claustro”, que como corazón latiente le da vida y articula todo el proyecto desde el punto de vista estructural, formal y funcional.
    La topografía existente era irregular y con variaciones de altura considerable, con lo que la implantación de edificio era toda una proeza. Jesús Tenreiro tomó este desafío como punto de arranque del edificio, el cual se posa sobre el terreno creando una interdependencia mutua del exterior y el interior. El paisaje existe porque allí está la Abadía como huella inconfundible del hombre.
    Una solicitud hecha al arquitecto por los monjes fue que el edificio se desarrollara en un solo nivel, para evitarle a los sacerdotes de mayor edad subir y bajar escalinatas. Jesús Tenreiro se propuso también que se le imprimiera al edificio el lema de la institución: ora et labora, es decir, reza y trabaja. Por todos esos detalles el monasterio de Güigüe está lleno de amor y de poesía, que se despliega por toda la edificación y se manifiesta en el manejo incuestionable de su funcionalidad, firmeza y belleza, pero sobre todo porque el arquitecto supo atrapar el genius loqui existente en el lugar, la magia del sitio.
    El edificio originalmente fue pensado por Jesús Tenreiro como una cruz que se implantaba en el lugar, a partir de un estudio profundo de la vida de los monjes, y del análisis de los posibles recorridos que ellos deberían hacer diariamente. Estos son los aspectos que generan la idea de la edificación como representación de una esvástica, forma que permite encerrar un centro con cuatro brazos, los cuales se dinamizan a través del claustro, al tiempo que este último constituye el centro y el corazón del complejo.
El edificio podríamos decir que es como un gran barco secreto y oculto en la montaña. No se ve desde el pueblo de Güigüe. Los brazos de la cruz se encuentran flotando sobre el terreno y lo único que los sujeta a la tierra es “la oración”, representada por su “claustro” (corazón) y por “la iglesia” (cabeza), que como ancla lanzada desde el cielo fija de manera perfecta la construcción al territorio, apropiándoselo.
    La Abadía es una pequeña ciudad dentro de un lugar favorecido por la naturaleza, que se arma por el cruce de dos ejes: el Norte-Sur, dominado por la oración y el trabajo, y el Este-Oeste, marcado por la permanencia y silencio de las celdas de los monjes y la hospedería. El brazo de las celdas de los monjes tiene la vista privilegiada del Lago de Valencia; su brazo opuesto, el de las habitaciones de los huéspedes, se orienta hacia un bosque frondoso, con variadas especies vegetales y fauna.
    La forma del edificio contribuye con la atmósfera de paz y silencio que debe reinar en un lugar dedicado a la oración. Los monjes, además del hospedaje y comodidades necesarias, brindan la paz y la tranquilidad para que el huésped pueda encontrarse consigo mismo. La edificación, por su lado Norte, contacta con el exterior a través de un espacio intermedio —o Nártex— que se conecta a una plazoleta de acceso a la iglesia, desde donde se puede admirar el paisaje dominado por la presencia del Lago de Valencia. Alrededor del edificio se conformó una serie de planos inclinados de topografía modificada, con leves pendientes de grama, que le da realce al conjunto. También frente al comedor y la cocina se puede disfrutar de un gazebo, en una plataforma jardín que vincula el piso noble del edificio con las escalinatas que bajan al terreno firme desde donde, por caminos articulados entre la vegetación del bosque, se llega al lugar donde reposan los monjes fallecidos, entre los cuales está el Padre Otto Lohner, personaje clave en la concepción y realización de esta maravillosa obra.
    Dicen que una obra maestra de arquitectura es viable si se dan tres condiciones ideales: un excelente arquitecto, un cliente oficioso y un constructor eficiente. Alabemos a Dios porque en esta edificación se cumplieron a cabalidad estas tres condiciones, dejando como resultado una invalorable herencia para la Venezuela de hoy y del mañana.

El arte de construir ciudad

2011-04-25T10:39:00.000-07:00

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por Patricia Morales Mago

"El hombre es la medida de todas las cosas..."
Protágoras

NO ES POSIBLE PENSAR LA CIUDAD sin pensar en su gente. Las grandes avenidas, paseos, parques, plazas y otros espacios públicos imprimen en la ciudad el sello que las hace particulares y, en ocasiones, desnudan sus bondades y evidencian sus debilidades. Por otra parte, el emplazamiento geográfico de la ciudad y su morfología la acotan y definen. Revelar la ciudad que invita, que atrae, que convoca, plantea invariablemente la creación de espacios que signifiquen el disfrute y el encuentro entre la gente: que generen asombro y, por qué no, un alarde de urbanismo.
El artista Jaume Plensa (Barcelona, España), con la obra Crown Fountain (2004), ubicada en el Parque Millenium en Chicago USA, logra incorporar de forma magistral su trabajo, pleno de humanidad, al espacio público. Representa una atrevida intervención que, por sus dimensiones, se integra naturalmente a la silueta urbana de Chicago: son dos torres-fuentes de 15,2 metros de altura construidas con ladrillos de vidrio y piso de granito negro entre ellas, acompañadas con la proyección de videos, iluminación y un versátil manejo del agua. Es una fuente que proyecta rostros grandes y proporcionados con respecto a la escala urbana, conocidos y desconocidos pero siempre reconocibles, por ser los rostros de la ciudad, de los auténticos protagonistas y actores anónimos que la habitan.
El camino está trazado para la reflexión: la alternativa de una ciudad (de nuestras ciudades deterioradas) reclama entender que quienes hacen la ciudad son los hombres (la gente) que la viven, que conviven en ella.

Crown Fountain (2004)

Fragmentos de: Espacio basura. Rem Koolhaas. Premio Pritzker año 2000

2011-04-25T09:20:00.000-07:00

El “espacio basura” es la suma total de nuestro éxito actual; hemos construido más que todas las generaciones anteriores juntas, pero en cierto modo no se nos recordará a esa misma escala. Nosotros no dejamos pirámides. Conforme al nuevo evangelio de la fealdad, hay más “espacio basura” en construcción en el siglo XXI que lo que ha sobrevivido del siglo XX… Fue una equivocación inventar la arquitectura moderna para el siglo XX. La arquitectura desapareció en el siglo XX; hemos estado leyendo una nota a pie de página con microscopio, esperando que se convirtiese en una novela; nuestra preocupación por las masas nos ha impedido ver la “arquitectura de las personas”.

La continuidad es la esencia del “espacio basura”; éste aprovecha cualquier invento que permita la expansión, despliega una infraestructura de no interrupción: escaleras mecánicas, aire acondicionado, aspersores, barreras contraincendios, cortinas de aire caliente… El “espacio basura” está sellado, se mantiene unido no por la estructura, sino por la piel, como una burbuja.

El aire acondicionado ha lanzado el edificio sin fin. Si la arquitectura separa los edificios, el aire acondicionado los une. El aire acondicionado ha impuesto regímenes mutantes de organización y coexistencia que la arquitectura ya no puede seguir. Un solo centro comercial es ahora el trabajo de generaciones de planificadores de espacios, técnicos de reparaciones y montadores, como en la edad media; el aire acondicionado mantiene nuestras catedrales (todos los arquitectos pueden estar trabajando en el mismo edificio sin darse cuenta…)

La iconografía del “espacio basura” es 13% Roma, 8% Bauhaus y 7% Disney (casi empatados), 3% art nouveau, seguido de cerca por el estilo maya… El “espacio basura” es un ámbito de orden fingido y simulado, un reino de transformación morfológica… Los trazados implican una repetición o, en última instancia, unas reglas descifrables; el “espacio basura” está más allá de la medida, más allá del código… Como no puede captarse, el “espacio basura” no puede recordarse.

El neón significa tanto lo viejo como lo nuevo; los interiores hacen referencia a la edad de piedra y a la era del espacio al mismo tiempo. Igual que el virus desactivado de una inoculación, la arquitectura moderna sigue siendo esencial, pero sólo en su manifestación más estéril, la high tech (¡que parecía muerta hace sólo una década!); ésta deja a la vista lo que las generaciones anteriores mantenían en secreto: las estructuras surgen como los muelles de un colchón; las escaleras de emergencia cuelgan en un didáctico trapecio; las sondas atraviesan el espacio para proporcionar fatigosamente lo que de hecho es omnipresente, el aire libre; hectáreas de vidrio cuelgan de una telaraña de cables; pieles tersamente estiradas encierran débiles fiascos. La transparencia sólo revela todo aquello en lo que no podemos tomar parte.

El “espacio basura” se despoja de la arquitectura igual que un reptil muda de piel, y renace cada lunes por la mañana. En la construcción anterior, la materialidad se basaba en un estado final que sólo podía modificarse a costa de una destrucción parcial. En el mismo momento en que nuestra cultura ha abandonado la repetición y la regularidad como algo represivo, los materiales de construcción se han vuelto cada vez más modulares, unitarios y estandarizados; la materia viene predigitalizada…

Koolhaas, R. 2007. Espacio basura. Barcelona: Gustavo Gilli.

TITULARES #5 ABRIL 2011

2011-04-05T13:27:00.003-07:00

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Paisajes en proceso. El interés del arte por la autoconstrucción | por Miguel Braceli
El Lugar está allí | por Maya Suárez
Iwan Baan: no todo es tan perfecto como nos lo pintan | por Rafael Machado
El caso Medellín (II) | por Juan Vicente Pantin

>La imagen de fondo de esta edición es de Mirnelia Castillo. Serie: Texturas urbanas

Paisajes en proceso. El interés del arte por la autoconstrucción

2011-04-05T13:27:00.002-07:00

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por Miguel Braceli

EL RECORRIDO DESPLEGADO POR EL ARTE en la segunda mitad del siglo XX puso la mirada en aquellas estructuras de análisis, representación, y producción encargadas de comprender los espacios urbanos y naturales como materia prima para el proyecto, codificando sus datos a través de procesos creativos que encontraron su campo de acción en el paisaje. Hubo un cambio de paradigma: los artistas salieron de los límites del museo y del interior de su disciplina, tras la búsqueda de espacios con contenidos cada vez más distintos, transgresores de una concepción estética, menos convencional, más espontánea, menos evidente y más autónoma.

Esta inversión de valores hizo que muchos encontraran en las estructuras de borde su mayor estimulación, aquellas marcas de la ciudad donde los procesos de degradación y transformación representaban un hecho tan inevitable como interesante, lejos de la producción elitista del especialista. Aquellas en las que las realizaciones del hombre común, inmerso en su cotidianidad, construían el paisaje de su propio hacer, y que los artistas —con más entusiasmo que ironía— empezaban a reconstruir.

Robert Smithson despertó el interés por estas estructuras, uno de los primeros en descubrir los procesos de destrucción y renovación que podía vivir la arquitectura, a partir de la intervención de los usuarios dentro de un hacer liberado del proyecto, marcado por la improvisación, ingenuidad y progresividad de las operaciones, siempre inacabadas, siempre en transformación. Este artista de nacionalidad norteamericana, viajó en 1969 desde su residencia en Manhattan a un hotel en la península de Yucatán y ahí se encontró con este edificio: una estructura casi en ruinas por un lento proceso de degradación. Al hospedarse empezó a descubrir con asombro las columnas sin techo, los pasillos sin destino, los materiales de construcción arrumbados por todas partes, una “arquitectura desarqueturizada”, donde se hacía imposible determinar cómo comenzó, pero, sobre todo, cuándo o cómo terminaría su construcción.

El artista, alucinado, recoge fotografías mostrando el ciclo de decadencia y renovación atravesada por el edificio tras las continuas reformas que sus dueños acometían contra él. La naturaleza y las interacciones del ambiente deterioran las estructuras progresivamente, mitigando su integridad, pero proporcionándole una nueva identidad, una identidad tan fuerte como la que Smithson descubrió en el Hotel Palenque, pero que nosotros cotidianamente encontramos en el paisaje de nuestras ciudades latinoamericanas.

El lugar está allí

2011-04-05T13:27:00.001-07:00

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por Maya Suárez

CONSTRUIR EN UN LUGAR con mucha identidad siempre resulta un gran compromiso. Allí, la preexistencia de la arquitectura siempre estará definida por un conglomerado de imágenes, costumbres y modos que —juntos— conforman la memoria del lugar. El proyecto tiene, entonces, la labor de mediar entre memoria y tiempo: establecer el vínculo entre lo existente y lo que vendrá a partir de su inserción, transformar sin romper la continuidad, edificar lo nuevo y diluir sus límites en el contexto.

La arquitectura blanca de Aires Mateus es mucho más que un tema meramente formal. Puede que las fotos nos resulten estériles, pero en ellas se aprecia su sensibilidad y el respeto por el lugar. Los edificios no se conforman con adaptarse o repetir aquello que los rodea, sino que construyen o complementan el paisaje, se convierten en objetos necesarios, pertenecen al contexto y el contexto les pertenece ellos. El manejo de la forma se hace en función de establecer nuevas relaciones con aquello que los rodea, sin hacer demasiado énfasis en el uso. Las intenciones con respecto a la preexistencia son claras y se expresan con formas simples pero contundentes: no hay adornos, nada sobra, la arquitectura se limita a un trabajo de volúmenes y superficies.

Cada proyecto explora y responde de manera distinta a las condiciones del lugar. Pero, aunque es un elemento fundamental para la concepción de la idea, no la legitima. El objeto se justifica en sí mismo, en su capacidad para formalizar su lectura abstracta del entorno, en la manera de apropiarse y transformar el paisaje. El lugar está allí: está antes que el proyecto y es independiente de él. El proyecto, por su parte, no existe sin un lugar y de allí su cuota de dependencia. Pero esta dependencia no consiste en sublimarse ante la preexistencia sino en la capacidad de hacer una interpretación crítica de ella. Para Aires Mateus cada edificio es una hipótesis de futuro.

Iwan Baan: no todo es tan perfecto como nos lo pintan

2011-04-05T13:27:00.000-07:00

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por Rafael Machado

UNO DE LOS ASPECTOS QUE MÁS SORPRENDEN al visitar la página web www.iwanbaan.com, site del fotógrafo holandés Iwan Baan, es que muchas de las fotos de su página ya las hemos visto en importantes revistas impresas y digitales de arquitectura. Su cartera de clientes van desde la oficina SANAA (ganadores este año del Premio Pritzker de Arquitectura) hasta iniciativas sociales en África.
    Entrar a su página es entrar a un catálogo de arquitectura de moda contemporánea. Pueden encontrarse los proyectos recientemente más publicados, hasta tal punto que las oficinas de moda dentro de la arquitectura tienen una sección allí y es convocado constantemente para que —con sus ángulos y momentos cuidadosamente escogidos—intente dar a estas obras un sentido más humano, restándole la sensación de objeto aislado como habitualmente están concebidos estos abordajes.
    Baan ofrece puntos de vista impresionantes, los cuales serían imposibles de apreciar en un proyecto desde la calle y su contexto: desde un helicóptero nos demuestra lo fragmentado con respecto a la ciudad de estas arquitecturas. También en su fotografía podemos notar siempre la escala humana y cómo se vive el edificio con la presencia de personas comunes, trabajadores, usuarios, sin el remordimiento de delatar más allá que el objeto arquitectónico. Es un paso importante en comparación con aquella típica, tradicional y descontextualizada manera de fotografías edificios: sin personas, sin escalas, sin autos, sin nada que pudiera delatar o relacionar la imagen con una época, momento o situación.
    Aún existe una brecha distante para que la fotografía retrate verdaderamente los edificios como de verdad funcionan, como de verdad se ven día a día. Llenos de gente, a veces sucios, llenos de ruido producido por los elementos circundantes, en fin, no tan perfectos como nos lo pintan.

El caso Medellín (II)

2011-04-05T13:26:00.000-07:00

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por Juan Vicente Pantin

II. AYER MEDELLÍN. HOY MONTERREY. MAÑANA, LO MÁS SEGURO ES QUE QUIÉN SABE. Puede decirse que el éxito de la experiencia de Medellín radica en el encuentro de voluntad política, una gestión eficiente y la capacidad de planificar comprendiendo la realidad y consciente de los problemas de la ciudad y de sus habitantes. Pero, ¿se puede hablar de ciudades “exitosas”? Es una pregunta difícil de responder, sobre todo en Latinoamérica, donde el 30% de la población vive en asentamientos informales, y cuyas ciudades esperan absorber para el 2030 el 80% de la población total. Además, donde los índices de inequidad social, violencia y segregación pertenecen a los más altos del planeta, particularmente en Colombia donde el cataclismo político que siguió al asesinato de Gaitán, el narcotráfico y el paramilitarismo han dejado enormes heridas sociales. Los que tengan algo de memoria recordarán los episodios de violencia ocurridos en Cali o Medellín en las décadas de los 80 y 90, cuyo saldo en las ciudades fue desinversión, ineficiencia en los servicios, abandono del espacio público por la inseguridad, segregación social, guetos, anarquía...

Ya conocemos el desenlace: Bogotá, Medellín y otras ciudades colombianas obraron el milagro de ganarle a la violencia, desarrollar un modelo eficaz de planificación y gestión urbana, y mostrarle a la industria cultural un sobresaliente portafolio de buena arquitectura.

Sin hablar del retocado happy ending —y, sobre todo, de nuestra supina ignorancia de la historia política de Colombia—, situemos la reflexión en otro ámbito: el temporal. Un amigo emigrado a Chile hace algunos años comparaba el estado actual de Caracas con el de Santiago hace treinta años —y viceversa—, por lo que recomendaba a los chilenos más jóvenes que viajaran a Caracas… ¡para ver cómo sería su ciudad en el futuro! Dejando a un lado el sarcasmo, un hecho resulta cierto: tendemos a valorar los aciertos de experiencias urbanas, olvidando el carácter a veces fenoménico y transitorio de algunos de estos procesos.

¿Me creerá alguien si le digo que hace pocas décadas Monterrey era un modelo a seguir por las transformaciones urbanas y la calidad de su producción arquitectónica? Pues, hoy en día, Monterrey es lo que Medellín hace veinte años. Al parecer, el fenómeno de la deslocalización es común a las transnacionales y al crimen organizado.

¿Quién ha caminado recientemente por la ampliación olímpica de Barcelona, o por la Expo de Sevilla? El fantasma de la crisis recorre Europa… para no olvidar a Eco, somos —más que nunca—apocalípticos e integrados. Dirían los nostálgicos: “al menos quedan las fotos”.

Ver: El caso Medellín (I)

TITULARES #4 NOVIEMBRE 2010

2010-11-19T10:20:00.000-08:00

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Apuesta por lo colectivo | por Alessandro Famiglietti Siu
Toponimia en Julián Blanco: el reconocimiento del lugar | por Pablo Molina
El caso Medellín | por Juan Vicente Pantin
Medellín bien vale un viaje | por María Isabel Peña
Interpretar un habitáculo desde lo íntimo o lo material | por Glenda Yépez B
Rafael Seijas Cook, el Arquitecto Poeta | por Beatriz Meza Suinaga
CARACAS GRÁFICA | Equipo Medio Informativo

Apuesta por lo colectivo

2010-11-19T10:10:00.000-08:00

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por Alessandro Famiglietti Siu

1. EL TEMA DEL ESPACIO PÚBLICO refiere inmediatamente a ejemplos en ciudades como Barcelona, París, Milano, Santiago de Chile, Bogotá, Medellín y Curitiba, entre otras ciudades que durante los últimos años han puesto la mirada sobre el vacío colectivo, permitiendo poner en valor los signos y modos de vida contemporáneos, sus paisajes geográficos y su cultura. Por el contrario, Caracas ha estado al margen de este y otros temas, desde la arquitectura hasta una posible discusión social.

Sin embargo, algunos episodios recientes de fundación y reconstrucción de espacios públicos en varios lugares de Caracas permiten animarse con la idea de tener una ciudad más amable, con un paisaje construido que entre en sintonía con el paisaje natural de donde emerja y así volver a colocar el tema de lo colectivo como prioridad. Entre las operaciones realizadas por el Estado, principalmente a través de los gobiernos municipales, deseo poner en relieve algunas con particular interés.

2. La Plaza Alfredo Sadel (Alcaldía de Baruta / J. y F. Alcock) se propone como un espacio que desdobla sus límites al incorporar plaza, calle y acera como un pavimento continuo, redefiniendo el lugar como punto notable a escala municipal y metropolitana.

La Plaza Miranda (Alcaldía de Sucre / O. Capiello / F. Pimentel) surge de las ruinas de la antigua, en una operación ejemplar entre el Estado y el sector privado, que resuelve problemas de movilidad, conectividad y de identidad de un sitio, en un lugar con una vida urbana sin par.

El proyecto para la Recuperación Integral del Bulevar de Sabana Grande (PDVSA / E. Silva), elaborado a partir de un concurso público hecho en 2007, propone una lectura en clave contemporánea a partir de un diseño cuyo valor fundamental está en la limpieza y el orden que permiten poner en relieve uno de los más importantes e intensos vacíos urbanos de Caracas. La recuperación de los bulevares de Catia y El Cementerio está incluida dentro de las acciones diseñadas por el Plan Caracas Socialista (Alcaldía Libertador / P. Posani / J. De Freitas) y pretenden revertir el proceso de informalización y degradación de algunos sectores del oeste de la ciudad y, a partir de operaciones muy sencillas, recuperar la forma de lo colectivo.

Por último, la Plaza Los Palos Grandes (Alcaldía de Chacao / E.Otero), abre un capítulo notable y poco frecuente en los últimos años de desarrollo de Caracas. De los ejemplos citados, es el único caso que corresponde a la fundación de nuevos vacíos urbanos, cuyo proyecto apuesta por atender la dinámica local a partir de elementos como las poltronas urbanas y el verde, pero que también apunta a un cierto carácter metropolitano a través del agua como divertimento y del techo como escenario urbano.

3. Es evidente que estas intervenciones, si bien redefinen y recuperan varios sectores de la ciudad ‘formal’, no reconfiguran la imagen de una metrópoli completa, ésa que está a la espera de políticas de Estado que la definan como un todo y den cuenta del proyecto que guíe las operaciones a largo plazo y con radios de acción múltiples. Sin embargo, estas obras son capitales en un proceso de cambio en los modos de relación de los ciudadanos con su ciudad.

En ese sentido, la construcción de una cultura de lo colectivo, en oposición a los modos de uso individual del espacio público, es una materia pendiente de discusión en un contexto donde la garita de vigilancia, la reja y los avisos de no pase, deben dar paso al mobiliario urbano, a las aceras anchas, a las plazas y a los anuncios que digan: este espacio te pertenece, disfrútalo.

Toponimia en Julián Blanco: el reconocimiento del lugar

2010-11-19T10:09:00.000-08:00

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por Pablo Molina

EN EL MARCO DE LA EXPERIENCIA del servicio social comunitario de la FAU-UCV, el barrio Julián Blanco de Petare se escogió como lugar de acción de una de las experiencias, aprovechando que algunos docentes e investigadores de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo ya han realizado labores investigativas y participado en procesos de organización comunitaria allí, principalmente la profesora Teolinda Bolívar. Fue ella quien inició el plan de dotación de direcciones para las calles, escaleras y esquinas del barrio Julián Blanco.

Lo medular en este proceso de dotación de direcciones era otorgar al habitante de Julián Blanco un sentido de pertenencia al lugar: el sentimiento de apropiación de un espacio, la posibilidad de ser poseedor de una dirección que facilite la localización de la vivienda y que oriente a las personas del barrio y todo aquel que, por uno u otro motivo, transite por la zona.

Una motivación para la realización de un proyecto de esta naturaleza fue la afirmación de los habitantes del barrio acerca de la inexistencia de direcciones confiables para la recepción de cartas, notificaciones, domiciliar pagos o contratar servicios. Para blindar este proceso de apropiación del espacio mediante denominaciones consensuadas, era básico diseñar un esquema de acción que garantizara la participación de la comunidad en la toma de decisiones sobre este tema. Por eso se involucró a diversas personas, organizaciones comunitarias e instancias colectivas del barrio para que participaran en esta actividad, propiciada por la universidad.

Los “nuevos” nombres de los espacios del barrio, prácticamente inexistentes hasta el año 2005 y denominados bajo distintos apelativos, son producto del consenso entre los habitantes del sector, logrado mediante la intervención de los estudiantes del servicio social comunitario, quienes luego materializaron el nombre en un producto acabado para ser instalado en los espacios escogidos, también acordados con la comunidad.

El proceso de elaboración de las direcciones contentivas de los nombres de calles, esquinas y escaleras implicó la elección de un material idóneo para que en su arte final intervinieran habitantes de la zona del barrio escogida. Se decidió incorporar a los niños en este proceso de “arte final” y se realizaron talleres con ellos donde, guiados por los estudiantes, dieron color a las direcciones, que en principio fueron elaboradas en arcilla, y le otorgaron un toque particular que distingue unos de otros sin que existan diferencias constructivas ni de formato que dificulten un proceso constructivo expedito y en serie.

En etapas posteriores, continuamos con el proceso introduciendo modificaciones en cuanto al material de construcción de las direcciones, en vista de que la arcilla, dependiendo de la cocción, podía ser frágil y delicada a la hora de su traslado e instalación. En pruebas de ensayo y error con los nuevos integrantes del SSC, se logró obtener un producto a prueba de fracturas utilizando como material el concreto, de fácil realización en serie, de sencilla instalación y que garantiza que su elaboración y proceso de arte final se pueda hacer en la zona de acción del proyecto.

Se definió como campo de acción la Calle Panorama, arteria de circulación principal del barrio, y sus ramificaciones, escaleras, callejones y espacios vacíos. Es en esa calle donde los estudiantes, desde el año 2005 hasta el 2008, conocieron estas formas de intervención en zonas populares.

Este proceso también ayudó a la academia a descubrir nuevas formas de intervenir en procesos para hacer ciudad: una vez instalado el producto también se “instala un sentimiento”, la seguridad de vivir en un sitio reconocido en el cual han intervenido los propios vecinos, más allá del hecho constructivo.

Mención aparte, se debe considerar que es el niño —alguien a quien todos respetan— quien será el guardián del mantenimiento del objeto que él mismo ayudó a construir y del cual se sentirá orgulloso en un futuro, porque desde pequeño intervino en la realización de un anhelo colectivo.

Nombres como Calle Panorama, Plaza El Nazareno, Calle Santiago Mariño, Escalera Los Aguacaticos, Los Olivos, Rostejano, Callejón Yaritagua y muchos otros ya son parte del paisaje construido de esa zona popular llamada Julián Blanco, añadiendo color, ubicación espacial y sentido de pertenencia.

El caso Medellín (I)

2010-11-19T10:08:00.000-08:00

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por Juan Vicente Pantin

I. MEDELLÍN, LA MÁS EDUCADA. La referencia a Medellín como paradigma de transformación urbana y calidad arquitectónica se ha convertido en moneda (o lugar) común para nosotros. Obviamente redundaré sobre esto. Es preciso reflexionar un poco sobre el tema, tratando de ver con lentes de soldador más allá del encandilamiento de la nouvelle architecture del hermano país —alguna muy pirotécnica, por cierto—, que empieza a ocupar bastante centimetraje en los medios especializados a escala global. Los arquitectos, planificadores y políticos paisas, al parecer, encontraron la clave del éxito: a nosotros nos corresponde, de este lado de la acera, un sano ejercicio de análisis y de crítica que nos ayude aprender de su experiencia, pero también a apreciarla en su justa dimensión, en especial la dimensión en que se relacionan política, gestión pública y planificación urbana.

Medellin, la más educada, fue el slogan que identificó la gestión de Sergio Fajardo —alcalde de la ciudad desde el 2004 hasta el 2007—, y sin duda hace referencia a dos de sus principales programas de gobierno: la construcción de las Escuelas de Calidad en barrios con entornos deficitarios y mayor necesidad de intervención estatal; y los Parques Bibliotecas, integrados a las zonas marginales, con grandes inversiones y la participación abierta de profesionales en concursos públicos de arquitectura.

Sin embargo, esta alusión pedagógica es más bien ilustrativa del currículo de quienes lideraron dichos procesos de transformación, unos personajes más cercanos a la academia que a la política. Antanas Mockus y Sergio Fajardo (filósofo y matemático), por ejemplo, y muchos de quienes han estado tras bastidores en las alcaldías de ciudades como Medellín y Bogotá, provienen de una sólida tradición académica vinculada con la administración pública: el padre de Fajardo fue planificador de la ciudad; Enrique Peñalosa fue investigador de Economía Urbana antes de lanzarse a la política. Incluso, influencias como Barcelona (Bohigas style), transfundida a planificadores colombianos formados en la ETSAB, muestran, con la formalidad colombiana de rigor, su pedigrí de planificadores apadrinados por Le Corbusier, Sert o Paul Lester Wiener. Y la clase no les ha impedido ver la realidad a la cara y reconocer que el principal problema de sus ciudades ha sido la injusticia social y el drama humano de las mayorías sumidas en la pobreza y, sobre todo, en la falta de herramientas para transformar su entorno y construir para sí el manido derecho a la ciudad.

Medellín bien vale un viaje

2010-11-19T10:07:00.000-08:00

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por María Isabel Peña

MI PRIMERA CONEXIÓN CON MEDELLÍN data de más de una década, cuando más allá de la medianoche las luces se apagaban en todos los lugares públicos y la gente encendía velas y sacaba pañuelos blancos abogando por la paz y el cese de la guerrilla.

El segundo episodio fue más cercano a un personaje emblemático: el ex alcalde de Medellín, Sergio Fajardo, en la conferencia anual de Econoinvest en el año 2007 en Caracas. Luego, en 2008, compartimos en una conferencia en Boston, en el Wentworth Institute of Technology (WIT). Como conocía la valía del personaje, empujé para que mi hija se acercara a oírlo. Se sintió tan conmovida que lloró con pesar al constatar que con personajes como él las transformaciones son posibles y que la excelencia como premisa de vida hizo la diferencia en su historia personal para transformar su tierra natal “de la violencia a la esperanza”.

Sergio Fajardo Valderrama es matemático, doctorado en Estados Unidos. Sin historia previa en política, decidió actuar junto a un grupo de amigos y dejar de quejarse por la situación de su ciudad. Mapearon todo Medellín con las áreas de mayor riesgo, ubicando las mafias, las zonas pobres y las de mayores ingresos. Convenció a los vecinos de comenzar por los más necesitados y darles lo mejor para crear identidad y orgullo en cada barrio. Para lograrlo, trabajó con un grupo de arquitectos y planificadores incansablemente durante cuatro años, generando así la transformación de Medellín.

Las ideas partieron del conocimiento de lo cotidiano, llevándolo a ser trascendental: el “Parque de los Pies Descalzos” con deliciosas experiencias táctiles; “La Explanada” para tener encuentros nacionales e internacionales de lecturas de poesía; un “Jardín Botánico” centrado en orquidearios alojados en umbráculos hechos con pérgolas de madera de dimensiones gigantes; planos inclinados con pantallas sobre edificios para ver cine a cielo abierto; museos abiertos en pleno centro de la ciudad; y los elementos más emblemáticos, llamados “Parques bibliotecas”, dispersos por toda la ciudad y especialmente en los barrios mas pobres, con lo que se generó de inmediato una recalificación del contexto y la movilidad de toda la población a las nuevas instalaciones. Sobresalen el ganador del Premio Príncipe de Asturias y la última obra de Rogelio Salmona, construida sobre un antiguo basurero. Adicionalmente, el tema de movilidad ha sido resuelto con trenes, metrocables, ciclovías y una política de transporte público organizada en redes que lograron dar un vuelco a la ciudad de un extremo a otro.

En 2009, cuando realizamos una corta visita técnica desde la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, y las alcaldías de Caracas, constatamos —no en las nuevas instalaciones de la ciudad, sino en las sonrisas de los niños y en el orgullo de los habitantes— que la ganancia de la ciudad pasó también al nivel de lo intangible.

Este año, Medellín desplegó su arquitectura y su planificación urbana con la Bienal de Arquitectura Colombiana 2010, ¡que bien vale un viaje!

Interpretar un habitáculo desde lo íntimo o lo material

2010-11-19T10:06:00.001-08:00

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por Glenda Yépez

TE DA CURIOSIDAD o te pones nervioso ante la física libre de este habitáculo diseñado por Sou Fujimoto. Inquieta ver esta obra cuya temática parece simple y su punto fuerte es la experiencia en la que se confunden muros, pisos, techos y aberturas. Si te consideras un fan de la innovación japonesa y de la construcción experimental con madera, puedes superar o controlar cualquier emoción ante tal ejercicio conceptual que ha quedado entre los finalistas del Final Wooden House 2008 como mejor edificio del año.

Podemos interpretarla como una casa muy pequeña, construida con perfiles de madera que se apilaron conscientemente y se vive como un juego habitable. Recordemos la Jenga! o el video juego BoomBlox: nada más parecido, pero sin derrumbes, desequilibrios ni gemas en la superficie.

Como lo expresa este arquitecto japonés —“en lugar de ver una nueva arquitectura, trata de una nueva concepción, una nueva existencia”—, esta obra se convirtió en un lugar paradigmático antes de pensar ser arquitectura. Aquí se anularon las normas convencionales del diseño y, si mencionamos los principios del acondicionamiento ambiental, sólo la iluminación y el cobijo son contemplados. Puedo atreverme a enfrentar a los críticos con descuido o a los filósofos amateurs, curiosos de la arquitectura, que discuten sobre esta obra sin observar las posibilidades abiertas de reinterpretar el espacio de acuerdo con por donde se desea circular o dónde se quiere estar.

Si deseas, lo usas o sólo lo ves. Ése es el juego de esta construcción experimental.

Enlaces:

http://www.plataformaarquitectura.cl/2008/11/05/arch-daily-final-wooden-house-sou-fujimoto/#more-11798

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/10/sou-fujimoto-la-casa-conceptual.html

http://www.microsofttranslator.com/BV.aspx?ref=IE8Activity&a=http%3A%2F%2Fwww.archicentral.com%2Ffinal-wooden-house-nakano-japan-sou-fujimoto-architects-768%2F

Rafael Seijas Cook, el Arquitecto Poeta

2010-11-19T10:06:00.000-08:00

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por Beatriz Meza Suinaga

EN LA HISTORIOGRAFÍA ARQUITECTÓNICA VENEZOLANA, hay numerosos textos y ensayistas que son casi o totalmente desconocidos, incluso para los estudiosos de este tema. Uno de ellos es el llamado Arquitecto Poeta, el coriano Rafael Seijas Cook (1887-1969), graduado en 1905 de Ingeniero en la Facultad de Ciencias Exactas de la UCV, con una especialización en Arquitectura en Bellas Artes de París en 1907 y, además, uno de los más connotados articulistas de la Revista Técnica, del Ministerio de Obras Públicas, y Élite a partir de la segunda década del siglo veinte.

Interesado en la arquitectura nacional e internacional, Seijas Cook ejerció una importante labor como escritor. En sus textos, a la par que trata acerca de figuras como Antonio Gaudí o alaba las construcciones moriscas existentes en Sevilla, pone de relieve los rasgos de la disciplina y a los profesionales emblemáticos en el país durante el siglo XIX, despuntando los nombres de Herrera Tovar, Chataing, Malaussena y Hurtado Manrique. Así también abordó la producción edificada del siglo XX, analizando obras públicas significativas entre las cuales presenta las propias, como el domo de la Catedral de San Cristóbal, el Templo de San Juan de Colón, el Resguardo en Maracaibo y el Ministerio de Agricultura y Cría en Caracas. Al exponer ante el público sus proyectos, Rafael Seijas dio continuidad a una tradición que halla en Andrea Palladio a uno de sus representantes notables, pues el paduano apeló a este expediente de incluir sus trazados personales en el famoso tratado Los Cuatro Libros de la Arquitectura (1570).

A la tarea de Seijas Cook como escritor especializado que contribuye al rescate histórico del patrimonio arquitectónico —mediante textos en los que emplea una prosa de poéticos tintes que en ocasiones llega a ser ampulosa y criptográfica— debe añadirse su actuación como director de la Revista Técnica del MOP entre 1936 y 1940, cuando este impreso brindó mayor espacio a las ideas sobre Arquitectura, privilegiando lo que ocurre en el contexto venezolano pero sin dejar de mirar críticamente hacia el exterior.

CARACAS GRÁFICA

2010-11-19T10:05:00.000-08:00

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por Equipo editorial Medio Informativo

CUANDO SE TOCA EL TEMA DE LA CIUDAD, todos nos ponemos —de alguna forma— en disposición de atender y es así porque quienes vivimos en ellas, más allá de nuestros oficios o quehaceres, somos los que la conformamos y construimos desde nuestro goce o padecimiento.

Para hablar de Caracas —o desde Caracas— tenemos que estar de acuerdo en un par de enunciados. El primero de ellos es que difícilmente podemos decir que una ciudad es esto o es aquello. Las ciudades no pueden ser porque en su constante dinamismo siempre están siendo, siempre se están transformando. En este sentido, estar atentos también nos compromete con reconocer los detalles, guardar esos rasgos que la metrópolis —a manera de gestos— va perdiendo en el dinamismo del transcurrir de sus usos y abusos.

Caracas de a poco, muy lentamente, se ha visto envuelta en un proceso de transformación y rescate de sus espacios públicos. Esto puede ser parte del debate: qué se queda, qué desaparece, quiénes lo deciden. Caracas gráfica, libro publicado por el Grupo de Empresas Econoinvest, recoge en una apuesta plástica y compacta la expresión gráfica popular de la ciudad. Acrílicos, metales de venta de comida, parabrisas, marquesinas, puertas, santamarías, paredes, dispositivos de talleres automotores, peluquerías… en fin, una forma del hacer y del decir de nuestro comercio, religión, política: en síntesis, del fruto de nuestros intercambios.

La lectura del gesto viene con las plumas de José Roberto Duque, Patricia Kaiser, Roberto Echeto, Jacinto Salcedo y de la propia editora Alejandra Szeplaki. Un texto curioso e importante, un registro que nos permite vernos en nuestra expresión, que permite hacer(nos) esa lectura que aporta, que siempre aporta para la comprensión.

TITULARES #3 SEPTIEMBRE 2010

2010-09-20T11:25:00.000-07:00

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A propósito de Inception | por Guillermo Barrios
La ciudad en el comic, la ciudad de los superhéroes | por Ricardo Sanz
Ciudad Virtual :: Dinero Virtual | por Luis Fornez
La imagen pública del espacio privado | por Miguel Braceli
Venecia o la inmortalidad urbana | por Miguel Acosta
La mutación de Quaderns: cuando el tamaño importa | Equipo Medio Informativo
Caracas 443 años | Edición Especial de Papel Literario

A propósito de Inception

2010-09-20T11:17:00.001-07:00

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por Guillermo Barrios

AUNQUE A MANUEL DELGADO, autor de El animal público (1999) y de otros ensayos sobre la cultura contemporánea, no le gusta el término de películas urbanas —pues admite que, de una manera u otra, cualquier film de hoy día lo es—, quienes seguimos de cerca este campo cruzado de la arquitectura y el cine nos seguimos dando permiso para identificar así a aquellas películas que, por su sensibilidad frente espacio y sus determinaciones, resultan de especial interés para alimentar y afinar nuestra comprensión del espacio arquitectónico y de la ciudad.

En ese sentido, El origen [Inception, 2010] no es propiamente una “película urbana” —o lo sería sólo a medio camino—, ya que, como las otras películas del británico Christopher Noland, se interesa y posa en cambio firmemente en el inefable terreno del subconsciente y de la metarrealidad. Como temprano colofón de una obra que ha conseguido importantes hitos en Memento (2000), Insomnia (2002) y El Caballero de la noche [The Dark Knight, 2008], Nolan propone en este nuevo filme una especie de colonización o replanteamiento del espacio onírico, al cual ha conseguido atrapar ahora como locación de una trama frenética. Allí, en el territorio de los sueños, la ciudad se desgarra continuamente, sus fachadas se desploman y el espacio edificado, referenciado en la realidad-real, está continuamente sujeto a la abrasión, al oleaje agresivo y a las explosiones súbitas.

El protagonista de la historia, un tal Cobb, transita por el mundo de metrópolis reales —Seúl, Mombasa, Buenos Aires, París, Sidney— como un legendario Dr. Kimble de El fugitivo, huyendo de la justicia por un crimen que no cometió. Lo hace como furtivo especialista en robar información desde los recónditos rincones del subconsciente a través de la invasión de los sueño de sus víctimas, para venderla al mejor postor. Tiene ahora la posibilidad de redimir sus culpas y de volver a su casa, en California, con sus pequeños hijos…. lo que más añora. Puede hacerlo si comete un último crimen, pero en reverso: esta vez, en lugar de extraer información, debe inyectar (de allí viene el título original en inglés, inception) una idea en la mente de una nueva víctima, el joven Fisher, heredero de una gran corporación, para orientar una decisión crucial.

Puede parecer un argumento sencillo en el mundo de la ficción cinematográfica (donde, según Edgar Morin, el hombre ha alcanzado su mayor grado de libertad expresiva), pero esta operación, la de llevar a cabo un acto de incoación, de infiltración del libreto de los sueños, requiere la planificación y participación de todo un equipo y del diseño cuidadoso de las locaciones sucesivas a donde pueda llevarnos. Además de expertos en alta tecnología y en estrategias de asaltos, alquimistas africanos y una buena fuente de recursos reales (alguien que pueda comprar toda una aerolínea para asegurar cupo para todo el equipo en el vuelo durante el cual el joven víctima será inducida a soñar), el papel de Ariadne, la joven y brillante arquitecta que Cobb contacta en París, resulta clave en el relato de Nolan. Ella tiene que oponer un mundo idealizado y bajo control a aquél de desplazamientos caóticos que suele ofrecer el sueño libre. Lo que en esta historia se proponen inducir tiene que proveer una salida a tiempo para tratar de evitar que los participantes de esta gesta colectiva “mueran en acción”. Morir en un sueño, Cobb lo sabe por experiencia, significa habitar por siempre en el “limbo”, sin una posibilidad de reconexión con el mundo real.

El laberinto, aquel espacio intrincado que sólo puede habitarse en tránsito incesante y cuya salida sólo es posible por el constante desafío a la lógica, es el formato ideal para la locación de esta aventura. En el diseño que Ariadne ejecuta con máximo cuidado y expresa en planos y maquetas convencionales, cuatro locaciones o “niveles” constituyen la escena laberíntica de los sueños sucesivos (sueños dentro de sueños) donde se desarrollará la misión. Ésta se lleva a cabo en arreglo al guión trazado por los hermeneutas de los sueños: después de transitar por las calles previsibles de una ciudad real, por un hotel de lujo y por una fortaleza entre las nieves —lugares donde se está sin saber cómo se llega— el cuarto “nivel” es la ciudad distópica y fría, ordenada a lo “Plan Voisin”, que antecede a la resolución de la trama. Esta urbe sin gente, sembrada de paralelepípedos y cruzada por lacerantes autopistas, se ha poblado también —a despecho de la arquitecta— de caprichosas formas extraídas de la experiencia terrenal de los recuerdos de Cobb, cuya angustia existencial domina la operación colectiva de transgresión del subconsciente: la casa familiar de la familia de su mujer se planta, como la decrépita choza de Rotwang en la Metrópolis de Fritz Lang, para oponer un ruido terrenal a las formas atrevidas de la imaginación.

Pero esto no es sino señales de un dominio en estertores: el ambiente aséptico de la ciudad diseñada — donada por la arquitectura, opuesta al caos— provee contra todas las apuestas, una plataforma para la resolución final del conflicto esencial de la trama. Es ella, imprevistamente la escena de salida del drama personal que, después de tantas explosiones y peligros por todo el mundo, solo se sana con la llegada, por la puerta trasera de una casa de suburbio, al entrañable abrazo familiar. Sólo que, a la manera del final de Blade Runner, con la huida hacia delante en medio de un paisaje paradisíaco, aquí volvemos a ignorar si se trata de un retorno del sueño a la realidad. O si es, en cambio, todo lo contrario…

La ciudad en el Cómic, la ciudad de los superhéroes

2010-09-20T11:17:00.000-07:00

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por Ricardo Sanz

DESDE LA CREACIÓN DE SUPERMAN en 1938, para los autores de cómic —y específicamente para sus dibujantes— la ciudad de Nueva York prestó una fisonomía representativa de la complejidad y densidad como manifestación visual del crimen y el caos, un entorno que refleja el drama de la vida moderna donde el superhéroe deviene en la última esperanza del ciudadano común disminuido por un contexto avasallante. Nueva York se constituyó como la ciudad tipo del género súper-heroico: su imagen traducía al unísono todas las aspiraciones universales de desarrollo y urbanidad, y así el drama visual de la metrópoli fue explotado reiteradamente por los autores de cómic, quienes se encontraban fascinados con cierto tipo de cualidad urbana basada en el contraste.

La metrópolis norteamericana sirve como el entorno de los superhéroes para dos propósitos: hace evidentes los poderes del personaje y revela las limitaciones humanas del resto de los individuos al enfrentarlos con la escala urbana. El superhéroe es un visitante de los espacios arquitectónicos inhóspitos, es el habitante de la epidermis arquitectónica. Tres ejemplos de grandes asiduos de las azoteas y fachadas son Batman, Dare Devil y el Hombre Araña, personajes que en su incapacidad real de volar se han convertido en personajes habituales de estos lugares que les permiten recorrer y escudriñar el Nueva York de los cómics —literal o alegórico— desde un lugar suficientemente elevado.

Toda la construcción de la ciudad de los superhéroes refleja con predilección el paisaje de un centro mundial de poder financiero y comercial con un lado oscuro promovido como paisaje de la criminalidad, la confirmación definitiva del entorno urbano idóneo para los superhéroes desde una experiencia perceptiva de la ciudad a partir de la recreación de ciertas imágenes que permiten la elaboración del paisaje urbano que les ha correspondido mayormente a los personajes de este tipo: el paisaje de las alturas.

Ciudad Virtual :: Dinero Virtual

2010-09-20T11:16:00.002-07:00

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por Luis Fornez

HEMOS LLEGADO AL PUNTO en que hasta un papel, representante de su valor en oro de acuerdo a una convención sobre el valor de las monedas de los países, se ha desintegrado. Esto sólo puede ocurrir antes de la desmaterialización de la base que le dio origen: el intercambio de bienes y servicios de las ciudades.

La desintegración de esta dinámica en la ciudad es todavía un artificio. Si aceptamos lo expresado por Juan Nuño (según recoge Tulio Hernández en “¿Por qué existen las ciudades?”) al afirmar que todas las ciudades son un ideal, consideremos también a las simulaciones de ciudades —como Thesims y Secondlife, por nombrar las más conocidas de la comunidades de juego en la red— como ideales de “escape” de nuestras difíciles experiencias de la vida urbana.

Es importante considerar esta dinámica de “escape hacia la ciudad virtual”, pues sólo en los últimos diez años ha generando medios de transacciones de dinero virtual y bienes-servicios, aglutinando un mercado de 2 billones de dólares y trayendo consigo los conocidos Tycoons o grandes magnates.

¿Hasta qué punto podremos “desmaterializar” nuestra experiencia urbana? Obviamente falta muchísimo para lograrlo con nuestros cuerpos de una manera efectiva —es decir: todavía no hemos podido arrancar efectivamente el CERN—, pero ya los valores de bienes raíces, las pruebas de productos, diseños, estrategias de marcas y otros indicadores de vida urbana, son una realidad en las ciudades virtuales, gracias a empresas como Adidas y BMW (marcas que desarrollan tiendas y edificios virtuales en TheSims y otras comunidades virtuales) o Cartier que, dentro de las marcas de lujo, es una de las firmas con experiencias en web mejor logradas, llegando a conceptualizar formas de expresión “en línea” para apalancar su e-Boutique y así extender su capacidad de ventas en Intenet.

Sin embargo, como muchos otros avances de la tecnología, la aceptación social está por verse en medio de esfuerzos ya iniciados para incorporar a las redes sociales en los videojuegos. Es posible que este eslabón sea la clave para comprobar si las transacciones financieras a través de las redes sociales se consolidarán. En ese momento, tengan la seguridad, estaremos mucho más cerca de desintegrar el papel moneda… para siempre.

La imagen pública del espacio privado

2010-09-20T11:16:00.001-07:00

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por Miguel Braceli

EL PAISAJE DE LAS CIUDADES latinoamericanas está caracterizado por una hibridación formal que es consecuente con la diversidad cultural de la sociedad que en ellas se desenvuelve. La vivienda, en cualquiera de sus manifestaciones —unifamiliar o multifamiliar, de baja o alta densidad, presente en urbanizaciones o barrios— es la tipología programática más representativa de esta diversidad, a la vez que es objeto de intervención y customización. A partir de la autoconstrucción, los habitantes definen un paisaje particular, reflejo de los distintos modos de vida individuales que integran un colectivo, apropiándose del edificio, caracterizándolo, volviéndolo singular. Mas, en conjunto, la sumatoria de edificios intervenidos territorializan el paisaje, haciendo de lo particular un hecho global a partir de su repetición sistemática y configurando así una identidad: las intervenciones de la vivienda comienzan en el interior del edificio y terminan en su exterior, la construcción del espacio privado residencial se vuelve la construcción de la imagen pública de la ciudad.

Análogo a este modo de operar, el proyecto Favela Painting en Río de Janeiro y el plan Barrio Tricolor en Caracas desarrollan el procedimiento inverso de construcción del paisaje, partiendo desde la intervención cromática en el exterior de la vivienda como problema visual de imagen sobre la ciudad. En el primero: tramas con un orden claro de organización, con franjas de colores de tonos que se degradan, tejen la irregularidad de las casas, enfatizando o atenuando puntos de fuga bajo una imagen unificadora del paisaje. En el segundo: los colores y sus tonalidades están marcados por el abanderamiento político, la intencionalidad de las decisiones compositivas parecen ser menos importantes dentro de una búsqueda plástica.

Pese a la certeza de la conocida y merecida crítica de “maquillaje” que ambas operaciones encuentran por su limitación, la premisa de devolver la atención del problema del paisaje hacia su recomposición visual exterior, dentro de un proyecto de diseño abierto al habitante y la autoproducción del espacio residencial, es importante para seguir construyendo la imagen de ciudad que, continuamente, desde lo privado hasta lo público, va transformándose en el paisaje.

Ver más en:

http://www.theplaceswelive.com/

http://www.favelapainting.com/

Transgresiones from Miguel Braceli on Vimeo.

Venecia o la inmortalidad urbana

2010-09-20T11:16:00.000-07:00

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por Miguel Acosta

EL CASO MÁS REPRESENTATIVO del ideal de ciudad a la escala del hombre es Venecia. Como una joya encontrada sin transformaciones y alteraciones externas se puede decir que —a pesar de su elegante anacronismo— estar en Venecia es como visitar el cuerpo del ser amado con la certeza de su inmortalidad.

La Gioconda tiene fama de ser el cuadro más visto y conocido del mundo. Algo similar pasa con Venecia. Quizás no es la ciudad más funcional así como la Mona Lisa puede que no sea el mejor cuadro de Leonardo, pero entre ambos ejemplos existe un hecho común: la imagen de la mujer vinculada con la noción de perfección. Para Leonardo, el paisaje transmuta hasta materializarse en divina imagen femenina. Venecia tiene la suerte de no haber sido tocada: ningún efecto colateral ha podido alterarla, salvo alguna que otra mancha funcional abstracta. Por eso es el lugar más apropiado para dos cosas: enamorarse y aprender humildemente las mejores lecciones sobre espacios de arquitectura urbana posibles.

Como Venecia no muere, su lección es permanente. Primero, su increíble forma de pez en el agua, lo que nos demuestra que una ciudad puede tener forma legible. Luego, el signo de los equilibrios en un círculo inmenso cruzado por el seseo del Gran Canal como una serpiente, otra lectura que muestra que los símbolos son patrimonio humano de asociación y transposición de mensajes imperecederos. En el interior se desarrolla el laberinto por excelencia, pero acotado en parroquias o distritos: San Marco, San Polo, Santa Croce, Dorsoduro, Castello, Cannaregio... y los periféricos Giudecca, Burano y Murano.

Cada lugar conserva intacta la escala apropiada de intervención: los arquitectos venecianos interpretaron musicalmente el espacio, dándole a cada lugar las vibraciones que completan el cuadro de armonías. Mientras tanto, todo aquel que construye lo hace con el respeto que influyen las fundaciones de pilotes de madera sobre el fondo de la laguna, siempre con las proporciones ajustadas a las formas que resultan de materiales eternos: ladrillo, piedra y madera.

Es así como la paradoja de la inmortalidad surge de la fragilidad del organismo resultante, pues el trazado urbano de Venecia está definido por las corrientes de agua: se construyó donde el agua no se mueve. Los constructores arrojaban pequeñas ramas al agua para verificar las corrientes. Acto seguido, levantaban cercos de pilotes de madera hincados e impermeabilizados para extraer el líquido y proceder a las bases de fundación. El resto fue acomodarse en la estrechez del espacio mínimo para circular con transporte acuático y pedestre. El Rialto (río alto) es el surco de agua mejor conocido como "Gran Canal", sobre el cual se colocó el puente más importante: Ponti de Rialto, la avenida principal que penetra y cruza la ciudad transversalmente.

Existe un recorrido hilo —o conducto digestivo— a través de la Calle del Comercio, que cruza el Rialto y culmina en el Mercado. Hay otro recorrido que culmina en el Hospital de San Pedro y San Pablo: las góndolas mortuorias esperan para dirigirse al islote del Cementerio, Isola de San Michelle. Toda la ciudad funciona como un organismo vivo: en las lecciones de espacios urbanos a escala humana, en la interpretaciónn arquitectónica de temas como luz y agua, vibratos y esfumatos de una ciudad cuyo paisaje permite el trabajo de superficie y la evaporación de las formas en ascenso. Es tal su belleza que la reverencia surge de inmediato, con lágrimas y un profundo deseo de compartirla. El urbanismo y la arquitectura por venir tienen en Venecia la emulación y el repertorio, si no en las dimensiones y la geografía, en la sublime exaltación del lenguaje de las formas.

La mutación de Quaderns: cuando el tamaño importa

2010-09-20T11:15:00.000-07:00

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Equipo editorial Medio Informativo

HACE UNOS POCOS NÚMEROS, sucedió algo con la revista especializada Quaderns que puede traducirse en dos lecciones editoriales.

Venezuela es un mercado hemerográfico curioso: consiente a los lectores de National Geographic y Hola! y dificulta coleccionar publicaciones especializadas, como la referencial Quaderns. Esta dinámica singular es la causa de aleatorios vacíos, baches coleccionables que permiten a ciertos sucesos editoriales pasar desapercibidos. Encontrar un número de Quaderns es una alegría capaz de diluir cosas tan significativas como una traición a su formato habitual, pero la carencia nos ha enseñado a preferir la alternativa feliz de ver todos los vasos medio-llenos.

Sí, hace unos pocos números sucedió algo con Quaderns… “algo” que puede traducirse en dos lecciones editoriales, pero nos estamos dando cuenta ahora.

1. Asunto de formato. Quizás el lector no conoce la clásica Quaderns, así que un retrato hablado no está de más: se trata de una revista si se quiere grande, con 24 centímetros de ancho y 31 de alto, una fotografía o ilustración —siempre de interesante factura— que abarcaba portada y contraportada, más un tímido “Quaderns” escrito en una tipografía apenas itálica y con un imperceptible serif que la hacía amable y eficaz. Linda, ¿no? Así era, al menos hasta la edición 240.

Las tres ediciones especiales que Quaderns muestra en su página web, que corresponden a los años 2004 y 2005, introdujeron un nuevo diseño de portada: aquel minimalista y tímido “Quaderns” de la portada se convirtió en un largo “Quaderns d’arquitectura i urbanisme”, escrito con una tipografía futurista y apocalíptica. El No. 241 fue la primera edición sencilla con la responsabilidad de re-educar el ojo. A esta radicalización —cambiarle a una revista la manera de ser nombrada por sus lectores es una decisión arriesgada— se le sumó un cambio en el tamaño a un área, que pasó a ser de 23 centímetros de ancho por 27 de alto y esto devino en un cambio de proporción que afectó algo que muchos diseñadores olvidan: la experiencia de lectura.

2. La rectificación (centímetros más, centímetros menos). Durante ocho números, la revista estuvo con este nuevo formato y bajo la responsabilidad de la terna formada por Lluís Ortega, Ramon Faura y Roger Adam. Aquel 24 x 31 que estuvo mientras el proyecto era conducido por Jorge Mestre, Ivan Bercedo, Ignacio Añoveros y Marc Valls se ausentó de los mostradores por una apuesta más cercana al cuadrado… más portátil. Ese 23 x 27, sin embargo, fue víctima de demasiados cambios: la estructura interna y la portada cambiaron demasiado, o al menos lo suficiente para borronear esos detalles editoriales que deben conservarse pensando en que a los compradores no se les debe inducir a un guayabo lector de buenas a primeras, sin dejarle algo al ojo para aferrarse. Por lo descrito en el manchón del No. 241, los encargados del rediseño fueron —no parece un asunto casual— el equipo gráfico de la empresa TRAUMA.

Pasado el largo tiempo editorial de ocho ediciones, el No. 249 —otro tiraje especial— sirvió para volver a un formato más parecido al abandonado: 23 centímetros de ancho por 30,5 de alto. El “Quaderns” de la portada volvió a la mesura, con un ligero cambio tipográfico que mezcla ojos altos con astas en serif. Debajo del título devuelto, con una humildad subtitulante, vuelve a aparecer el “d’arquitectura i urbanisme”, pero ahora sin intenciones de apellidar a la revista.

3. Un par de lecciones. ¿Se retractó la revista? Quizás… ¿pero por qué esperar ocho números? La respuesta pone en evidencia un defecto menor y dos grandes virtudes. Es evidente que el cambio de tamaño no fue acertado y que el equipo editorial —siempre comandado por el Colegio de Arquitectos de Cataluña— supo acusar el golpe, pero la “vuelta en U” tuvo que esperar ocho ediciones: es evidente que la preproducción editorial de Quaderns es tan eficaz que el plazo menor para poder devolverse al gran formato fueron esos cuatro pares de ediciones. Sólo una nueva edición especial permitiría el retroceso. Por eso la otra virtud, antes que editorial, es más bien humana: se trata del “rectificar de sabios”, tan presente en la cultura popular y tan extraño en la industria editorial

Caracas 443 años

2010-09-17T09:46:00.000-07:00

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Cortesía de Papel Literario, del diario El Nacional

PAPEL LITERARIO tomó el aniversario número 443 de la ciudad de Caracas como una oportunidad para debatir ideas en torno a nuestra capital. Diez artículos, escritos por diez especialistas de distintas áreas, con visiones diversas, ponen temas sobre la mesa de discusión y abren caminos para pensar a Caracas y la ciudadanía. En tal sentido, compartir esta edición con Medio Informativo ayuda a divulgar el pensamiento de los investigadores que amablemente colaboraron con la edición y abona el terreno para el debate y el intercambio de posiciones en torno a la realidad de Caracas y los posibles caminos que debemos tomar sus habitantes para lograr una ciudad más amable.

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¡HASTA SEPTIEMBRE!

2010-07-16T10:50:00.000-07:00

La tercera edición de MEDIO Digital se emitirá el mes de septiembre, cuando retomará su periodicidad mensual. La causa es el período vacacional de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo [UCV]. Mientras tanto, los invitamos a difundir y participar en este espacio disponible para pensar la ciudad.

Ave Fénix fallido: Galipán > Galipán

2010-06-21T06:44:00.000-07:00

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por Javier Cerisola

DESTRUIR PARA HACER no es cosa nueva. La historia de la Arquitectura y la ciudad está llena de ejemplos conocidísimos y notables. Destruyó Haussmann y creo que el episodio histórico cancelado no se llora, ni tiene dolientes en Paris. Destruyó Villanueva, por aquí más cerca y en menor escala, una casa de Guinand Sandoz para hacer Caoma y huelga decir que no lo lamentamos.
    Lo que pasa es que los tiempos han cambiado y han surgido ideologías y sentidos de pertenencia distintos que han hecho aparecer mecanismos cada vez más serios y estrictos que obligan, además por ley en casi todo el mundo, a pensar y sopesar muy bien la decisión de sustituir un edificio por otro, máxime tratándose de uno bueno, relativamente sano y salvable.
    Cuando la decisión se toma, por las razones que sea, valederas o no, y se decide tal reemplazo, lo mínimo que debería suceder es que el usurpador iguale o supere a su antecesor. No basta ponerle el mismo nombre y negado jugar a las analogías formales con el difunto. Eso es retórica simple y oportunista.
    Hay que resarcir el daño y aprovechar la oportunidad que en el fondo este trae consigo, para levantar una arquitectura que encuentre en el lugar –entendido como clima, cultura y condición tropical en nuestro caso– y en el reto adicional que trae tan particular origen, las claves de su calidad.
    Todo edificio es objeto cultural, eso no está en duda. Reconocido colectivamente o no, es susceptible de engrosar la lista de bienes “patrimoniales” –como decimos ahora– si por alguna razón determinadas variables representadas en él son iluminadas y valoradas repentinamente por ciertas circunstancias culturales y elevadas por tanto a la categoría de preservables. Estamos lejos, por ahora, y creo que será muy difícil que suceda, de que el nuevo edificio Galipán de la avenida Francisco de Miranda, empaquetado en cuanto cliché de moda tecnológica hay, y erigido sobre el polvo y las cenizas del otro, el diáfano y elegante de los cincuenta, catalogue para ese reconocimiento.

Jardines Flotantes – SpaWellness / Studio Noach + Anne Holtrop

2010-06-21T06:43:00.001-07:00

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por Ingrid Regalado

LA CAPACIDAD DE REINVENCIÓN de nuestra relación con la naturaleza, como usuarios y como profesionales, se convierte actualmente en la principal motivación y fuente de inspiración para las nuevas propuestas y actuaciones en el complejo campo de la Arquitectura del Paisaje. Esta conexión con la naturaleza, por cierto, instintiva en todo ser humano, proviene y se mantiene gracias a nuestra capacidad de actuar inteligentemente sobre el territorio y sobre el paisaje.

Las reflexiones arquitectónicas teóricas y practicas propuestas sobre este tema pasan por todos los autores y latitudes, desde el maravilloso Puerto de Yokohama, el primer edificio de relevancia construido por FOA como resultado de una victoria en el concurso convocado para la ocasión en 1994 y terminado para el mundial de fútbol 2002 en Japón, pasando por los extravagantes y no menos importantes muros vegetales de Patrick Blanc (Vertical Garden), que trasladan al plano vertical lo que siempre se creyó exclusividad del horizonte lógico y permanente, y llegan a lo que podría ser considerado como el principio del paisaje elemental con las propuestas de los jardines flotantes, recreados sobre superficies no tradicionales.

Dicha exploración pareciera no tener fin y se destaca con la propuesta de Los Jardines Flotantes de Holanda / SpaWellness Ámsterdam. Este proyecto resume exitosamente la complejidad que representa el compromiso de resolver con simplicidad pero al límite la conquista del paisaje, planteando estos Iceberg Verdes, sustentables y construidos con material reciclado: espectaculares ecosistemas aislados y super-utilizados, que permiten prolongar lo construido sobre el agua, pero no de manera invasora, colonizadora o destructiva, sino permitiendo equilibrar el uso de lo construido y sus afectaciones, ofreciendo lugares de permanencia y disposición utilitaria combinada con las garantías ambientales mínimas que permitan también contar con espacios de conservación natural, complejos y refinados proyectos equilibrados con vegetación y diversas topologías del paisaje. Estas propuestas, aún no construidas pero sí únicas, innovadoras y muchas veces controversiales, son las que se podrían convertir en un futuro no muy lejano en el verdadero legado del la Arquitectura del Paisaje.

Más y más parquecitos

2010-06-21T06:43:00.000-07:00

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Estrategias de repetición y diferencia en la construcción del espacio público

por Daniel Belandria

EL PROGRAMA ESPACIOS PARA COMPARTIR, de la Alcaldía de Sucre, reúne a un conjunto interdisciplinario de jóvenes profesionales, así como estudiantes universitarios a través de programas de Servicio Comunitario. Dentro de este Programa, el pasado sábado 5 de junio de 2010 fue inaugurado el Parque Municipal “Las Semillitas”, ubicado en la Zona 1 del Barrio José Félix Ribas. Puede que ésta sea la más importante intervención hecha hasta el momento por esta iniciativa.

El objetivo del programa es promover proyectos de espacio público de pequeña escala a través de las cinco parroquias de este populoso municipio metropolitano. Como estrategia general, el programa se plantea la reiteración de intervenciones con un lenguaje común; como estrategia específica, cada intervención se posiciona sobre el lugar generando respuestas propias e integradas. Es un accionar combinado de repetición y diferencia para la configuración de un territorio nuevo sobre lo preexistente.

Aún cuando los números son desalentadores —doce intervenciones ejecutadas en el 2009 y otras dieciocho que esperan construir este año, en un municipio con más de 1.950 barrios y varias decenas de urbanizaciones—, el contraste de las encuestas luego de un año de gestión es curioso: los habitantes del municipio han empezado a incluir dentro de sus principales requerimientos (además de seguridad, agua, luz y vivienda) la construcción de más y más “parquecitos”. Este hecho deja para quienes participamos en el programa un importante aprendizaje: a veces no importa la cantidad de recursos, sino la estrategia de implementación. Y es allí donde los arquitectos tenemos mucho por decir, decidir y aportar.

Sí es arte y el escenario es la calle

2010-06-21T06:42:00.002-07:00

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por Patricia Morales Mago

AUNQUE TAMBIÉN HA EXPUESTO su trabajo en museos y ha sido huésped invitado de Hollywood, Banksy —inglés, nacido en Bristol— es uno de los artistas anónimos urbanos (¿callejeros?) más famosos en la actualidad. Sus intervenciones de calle con la técnica del esténcil siempre han sido polémicas, aceptadas por muchos y rechazadas por otros. Banksy, seudónimo con el que se le conoce, ha logrado desarrollar un estilo característico —con sus propios modos— ha sido objeto infinito de copia y reproducción, pero con frecuencia sin respetar ni comprender el sentido original de la obra del artista.

Banksy ha sido contundente. Desató un importante “movimiento” que convierte las calles en escenarios para el espectáculo grafitero, lleno de mensajes trasgresores e irreverentes, en su mayoría llenos de humor y política, que han alcanzado a convertirse en símbolo de contracultura. Es el caso de sus recientes intervenciones en Palestina, en la ciudad de Belén, publicadas por Sunday Times Magazine en su edición del 28 de abril de 2010.

En Caracas, Banksy también ha marcado alguna huella: hay reportes de un grafiti en Chacao que parecía una auténtica “pintura” del artista, [la imagen de un joven intoxicado de información, devolviendo lo consumido] que fue repintado con motivos y temas revolucionarios “venezolanos”, con las correspondientes tendencias hacia lo kitsch tan propias de una estética vigente en nuestro país.

En las primeras apariciones de Banksy con sus graffitis urbanos, entre 1992 y 1994, la ciudad fue percibida como un espacio experimental para las manifestaciones polémicas, llenas de actualidad y de denuncia, que hoy dan cabida a las interrogantes que cuestionen si estamos realmente frente a una creación artística, a un hecho vandálico o —como es el caso de las más recientes intervenciones— en espacios “disponibles” para promocionar su exposición en una galería de la ciudad de Nueva York.

Premio Pritzker, contribución significativa y consistente a la estética

2010-06-21T06:42:00.001-07:00

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por Rafael Machado

LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA consume cualquier cosa que, debidamente, se haya declarado consumible, por ejemplo: el espectáculo de toda índole. La comunidad de arquitectos no escapa a esta realidad; padece cierto morbo consumidor sutil de revistas, imágenes y objetos, pero lastimosamente no gusta tanto de la crítica, reflexión y opinión, como si no necesitáramos ir más allá de lo evidente.

Existen dudas sobre qué estamos consumiendo hoy en día y con qué pretextos. ¿Qué premió este año la medalla Pritzker, de bronce y acompañada de 100.000 dólares? No se puede poner en duda el talento y nivel de las interesantes obras de los arquitectos galardonados, K. Sejima y R. Nishizawa, de la firma SANAA: los aspectos predominantes de su arquitectura son el estilo minimalista, pero en especial sobresalta el agudo contraste y la complementariedad con los elementos del entorno. Resulta casi esquizofrénico lo detalladas que están sus piezas arquitectónicas, pese a la ausencia de detalles perceptibles y el manejo de los materiales que le dan a las obras una tectónica casi ficticia, similar a la hiperrealidad controlada que produce los renders. Estas características hacen que sus encargos sean poderosos y fácilmente reconocibles. ¿Pero dónde quedan reflejadas las necesidades y retos urgentes de la actualidad?, ¿cuáles son las contribuciones significativas y consistentes a la humanidad y al medio ambiente que supuestamente las hacen merecedoras de este premio, más allá de las consideraciones estéticas?

Esta situación nos hace recordar a F. Jameson cuando señalaba la falta de profundidad de la nueva cultura de la imagen de la postmodernidad.

Monumento a qué

2010-06-21T06:42:00.000-07:00

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por Álvaro Rodríguez Muir

NO HAY DUDAS, eso de inventarse monumentos es tan viejo como la especie humana. Escarbar en el pasado del hombre es una aventura que los entendidos asocian con el encuentro de esos datos de cultura y sociedad cosificados en símbolos, creencias y, por supuesto, lugares, casi nunca exentos de la peculiaridad de parecer un monumento. Así, los sabedores de estos temas nos han enseñado que el monumento surge de la necesidad de “significar” los objetos, los lugares o las cosas para darles trascendencia, transmutarlos en mensaje o, simplemente, asignarles valor poético para “representar” algo que va más allá del objeto mismo.

Toda esta divagación viene a cuento por la reciente instalación de una pieza denominada “Monumento al Bicentenario del 19 de Abril”, en la esquina de San Jacinto, en Caracas. Hasta la instalación del referido objeto, la esquina de San Jacinto era uno de esos escasos lugares públicos despejados del casco, cuyo resguardo patrimonial se asumía estricto y celoso dada su vecindad con la Casa Natal de El Libertador. Sin embargo, por lo visto, el espíritu de los nuevos tiempos violenta sin piedad las convicciones del pasado; incluso, cuidado si fue precisamente por esa razón —digo, la cercanía al alma mater del culto bolivariano— que se eligió este lugar para tal cometido.

Pero aterrizando en el asunto de su valoración monumental, en el centro de Caracas los involucrados no terminan por ponerse de acuerdo. Por una parte, el Ministro para la Cultura en funciones recurre a su vena poética para explicarnos los significados implícitos en el objeto: que si las franjas de colores representan por superposición las épocas de oprobio y de honra de nuestra historia patria, que si está inspirada en Carlos Raúl Villanueva (¿?), o que expresa “el triunfo de la Revolución Bolivariana y del Poder Popular del pueblo venezolano”. Por otro lado, Lucas Pou, su autor, expone una versión propia que no secunda precisamente lo afirmado por el Ministro: “esta obra no se trata de un obelisco ni de un monumento alegórico […] sino de una especie de faro de luz con una proyección al infinito”. Si a estas alturas del cuento todavía recuerdan que el monumento está dedicado al 19 de abril, tenemos derecho a preguntarnos qué tiene que ver esta fecha con lo que dicen los actores de la puesta en escena.

Un monumento no “se significa” por voluntad personal: su significado es asignado por el colectivo. No vaya a ser que en una ciudad que tan poco recibe de quienes la gobiernan ocurra lo que pasó con las estatuas de Guzmán Blanco, aquellas llamadas por el pueblo “El Saludante” y “El Mangazón”, que se convirtieron en verdaderos símbolos el día en que fueron derribadas porque El Ilustre Americano ya no mandaba más.

TITULARES #1 MAY 2010

2010-05-23T20:41:00.000-07:00

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VitraHaus: yo quisiera una casita así…(y ahí) | por Hernán Zamora
“HOJO”: la expresión autoconsciente | por Glenda Yépez
Revista Técnica del Ministerio de Obras Públicas | por Beatriz Meza
Estación de Aguascalientes, México | por Newton Rauseo
El volumen se desvanece en el aire, también | por Juan Vicente Pantin
Conservación y participación ciudadana | por Daniela Sardi
British Pavilion / Shanghai 2010 | por Pedro Franco
Caracas Roadshow | por Maya Suárez

Publicado el 14/05/10

VitraHaus: yo quisiera una casita así…(y ahí)

2010-05-10T20:39:00.000-07:00

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por Hernán Zamora

LA EMPRESA DE MUEBLES VITRA inauguró este año un edificio de salones de exposición, emplazado en su campus de Weil am Rhein, Alemania, reconocido por reunir junto a la fábrica obras concebidas por una pléyade de arquitectos, entre los cuales están los autores del VitraHaus: Herzog & de Meuron. A esa firma le encargaron el proyecto arquitectónico que exhibiría, para clientes con especial interés por el diseño, una línea de productos destinados al hogar.

Inspirado en la silueta arquetípica de una casa y vuelto volumen por extrusión de esa sencillísima figura, el edificio está constituido por una serie de prismas que se apilan generando un anillo irregular. El vacío así formado constituye un atrio parcialmente abierto al cielo. Desde el entorno, el VitraHaus pareciera ser un monumental y oscuro peñasco que, de noche, se desmaterializa y torna en luz. Aunque trabajados desde la intención de aproximarse a una escala doméstica, internamente los prismas son almacenes blanquísimos, visualmente abiertos en sus extremos a las formas del paisaje y atravesados por variaciones de escaleras que, junto con la irregularidad del apilamiento y el colorido de los objetos de mobiliario, dispuestos como distintas estancias de múltiples hogares, ofrecen una experiencia espacial sumamente entretenida, compleja y dinámica, necesariamente vinculada con el hecho de ser una tienda contemporánea cultora de vanguardias y, por ello, distante de las profundas ideas de patrimonio, serenidad y estabilidad que anhelamos brinde nuestra casa, aunque ésta sea irrenunciablemente moderna y amoblada con tan seductores objetos de la imaginación.

Ver más...
http://www.dezeen.com/2010/02/22/vitrahaus-by-herzog-de-meuron-2-2/
http://www.plataformaarquitectura.cl/2010/02/22/vitrahaus-herzog-de-meuron/
http://us.arqa.com/index.php/en/architecture/vitrahaus-in-weil-am-rhein-germany.html

“HOJO”: la expresión autoconsciente

2010-05-10T20:38:00.000-07:00

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por Glenda Yépez

EN LA COTIDIANIDAD URBANA DE SHIBUYA, a una mínima escala arquitectónica, se recrea la tradición budista entre la frontera del arte, la ciencia y la espiritualidad. El diseño de “HOJO” casi podría perfilarse, por su lúcida estética e innovación, dentro de las posibilidades de escenarios de algún animé japonés como los Super Gals (Tokio, 2002). La pequeña vivienda capta de forma viva la dinámica del entorno físico y el concepto de la actividad mística de los monjes budistas que crecen entre familias jóvenes en un barrio con movida nocturna y comercial. La conciencia de los cielos claros del otoño que abren el paso a noches tropicales y a las posibilidades de llover (o casi nevar) en esta zona de Tokio, han permitido un grado de experimentación bioclimática en la obra, a diferencia de las otras que ha proyectado Akira Yoneda.

Las transparencias de su forma espacial han sido trabajadas como lo haría un paisajista que incorpora su percepción de la vista casi ajena a la escenografía interna, hasta lo íntimo: así se ha proyectado este nido entretejido de metal. Los vecinos quizás alucinen con la presencia de esta pieza que no está adosada al perfil del barrio y, en el repaso fugaz, leerán con claridad cómo se posa y se eleva sobre un patio seco que permite entradas de luz, el aire cambiante y las miradas del transeúnte más distraído. La circulación dentro de la vivienda es un paseo que articula claramente los espacios: uno para la ceremonia, otra para la purificación del alma y, en un estado de elevación, el área para el descanso.

El bienestar interior de “HOJO” se potencia con el aprovechamiento de elementos naturales como la energía radiante y el agua almacenada que rocía la cubierta en tiempos del solsticio de verano.

http://www.abitare.it/highlights/hojo/

Revista Técnica del Ministerio de Obras Públicas

2010-05-10T20:37:00.000-07:00

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por Beatriz Meza

QUE LOS IMPRESOS OFICIALES en Venezuela no han sido siempre tan inefables como los que conocemos hoy día lo demuestra una publicación que aborda un área específica del conocimiento científico de su época. Hablamos de la Revista Técnica del Ministerio de Obras Públicas creada por decreto presidencial en 1911 para exponer la labor de ese Ministerio (MOP) fundado en 1874 y que desde entonces actúa como ejecutor de los primeros intentos de planificación nacional ejerciendo enorme influencia en el desarrollo físico del país.

Cuatro etapas se distinguen en esta publicación, predominando los informes técnicos hasta 1914, pasando a un mayor interés por lo arquitectónico entre 1932 y 1940, hasta exponer propaganda para el régimen militar de 1955 a 1957 y culminar en dos números de 1958-1959. La Revista compila trabajos de autores nacionales y extranjeros, además de abundante información gráfica en mapas, planos y fotografías relativos a obras públicas, arquitectura, urbanismo e ingeniería, documentos originales que ofrecen datos para el estudio de la conformación territorial y urbana así como de la arquitectura proyectada y construida por el MOP.

En la primera mitad del siglo XX la Revista del MOP destacó la relevancia que se otorgaba al saber científico y técnico como medio para superar problemas y carencias de la sociedad. Además, plumas como la de Alejandro Chataing, Rafael Seijas Cook, Leopoldo Sabater y Graciano Gasparini se reunieron con profesionales decimonónicos como Juan Hurtado Manrique y Julián Churión presentando teorías, historias y opiniones sobre la arquitectura nacional y mundial extendiendo así los logros de este impreso más allá de sus objetivos burocráticos.

Estación de Aguascalientes, México

2010-05-10T20:36:00.000-07:00

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por Newton Rauseo

LA PROPUESTA DE LA OFICINA RVdG Arquitectura y Urbanismo para la estación central de Aguascalientes del sistema suburbano de interconexión de trenes y autobuses provoca una breve reflexión sobre la motivación que lleva a un grupo de arquitectos a insertar sus ideas sobre una de las acciones más ancestrales del ser humano: la movilidad.

La eterna trilogía de la Arquitectura espacio/tiempo/sociedad adquiere en esta estación una razón de ser en la que el espacio (tratado con las herramientas más poderosas de la disciplina: estética, función, técnica) está a disposición de lo dinámico: el viajero.

El proyecto, en la dialéctica espacial, propone el predominio de lo abierto sobre lo edificado como una premisa que materializa una clara concepción: libertad y transparencia para el actor peatonal. Esto se expresa tomando partido de un recurso geométrico arquetipal: el círculo como superficie de estadía (la plaza) y como anillo de circulación aérea (el puente), promoviendo la integración de lo interno (la estación) con lo externo (áreas urbanas e industriales), en comunión con el medio geográfico plano que lo asienta. Libertad de movimiento, transparencia edilicia, visuales del contexto y cerramientos laterales (del programa funcional) no entrarían en contradicción con lo que carece la propuesta: la sombra necesaria en espacios abiertos de escala mayor. Una estática plaza cruzada por sendas que contienen dinámicos trenes y vehículos es centro de atracción de la masa clientelar. El predominio de rampas facilita la función principal en el tiempo de la estación como pieza de arquitectura: la movilización de los viajeros.

Asunto principalísimo de la ciudad es su arquitectura, y ella, una vez más, se presta a provocar fenómenos urbanos dentro de su contexto socio-espacial. El tiempo dirá cuál será el desenlace.

El volumen se desvanece en el aire, también

2010-05-10T13:57:00.000-07:00

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por Juan Vicente Pantin

[¨Spazio senza volume , exposición de Mauricio Lupini en Periférico Caracas¨]

LO CONTEMPORÁNEO, como definición dialécticamente opuesta a lo moderno, acoge para sí el territorio de la otredad, de ‘opera aperta’, no abarcable ni taxonomizable por el discurso unitario, dogmático y racional que la Ilustración construye triunfante desde hace ya varios siglos. Mientras lo moderno domina sobre lo perdurable, concreto y universal, lo contemporáneo se instala plácidamente en los baldíos del pensamiento, y a veces —sólo por provocar— puede mostrarnos el carácter evanescente del pensamiento y la producción humana.

Mostrar lo moderno desde su condición más humillante, no la de ruina -que según algunos, le es propia- sino la de fantasma, es lo que intenta Mauricio Lupini en la muestra individual que presenta Periférico Caracas, espacio cultural que dirige Jesús Fuenmayor en el centro de arte los galpones de Los Chorros. La modernidad que fue, o intentó ser —petrolio grazie— en mitad de siglo pasado, náufraga del viernes negro, sus restos aun visibles en retazos urbanos y edificios-especies-amenazadas, en objetos de diseño heredados, venerados por el esnobismo o rescatados de La Bonanza y la amnesia colectiva, deambula entre estas cosas y lo que resta de memoria -eso, para quienes la tienen- como espectro de un país, o de una condición, aparentemente inalcanzable. Ácido, Lupini, desde la arquitectura, la fotografía, el montaje y el video, con sombras, reflejos, sillas arrumadas, lámparas reconstruidas y hasta onomatopeyas, termina por darle la razón, una vez más, a Marshall Berman: la modernidad es un mito.

Conservación y participación ciudadana

2010-05-10T12:23:00.001-07:00

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por Daniela Sardi Velásquez

ES CADA VEZ MÁS EVIDENTE la importancia de planificar los usos en la ciudad, incluyendo la idea de conseguir espacios afines a cada una de las diferentes actividades, pretendiendo el mayor consenso posible, privilegiando el sentido común y atendiendo la toma de decisiones con el conocimiento de los profesionales mejor capacitados, por encima de la imposición política o la lucha de poderes. Esto es particularmente pertinente en el caso del Parque Miranda, donde la afectación por la construcción del Metro es absolutamente necesaria y los vecinos lo han entendido así, pero tanto la planta concretera allí instalada como los otros usos no conformes deberían tener un destino más feliz.

Actividades de las más variadas tienen en común el rechazo generalizado de las comunidades por los efectos asociados a ellas, desde el ruido y el tráfico hasta las especificidades de la contaminación del aire y la inseguridad. Una escuela, un terminal de autobuses... una planta concretera. Múltiples y variopintas razones hacen que sea conveniente hacerles espacio, pero en un lugar adecuado. Seguimos en la búsqueda de espacios para reubicar actividades, con la mirada puesta en el compromiso de recuperar el Parque, porque la importancia de la planificación es sólo equiparable con el respeto que podemos conferir a lo planificado.

En ciudades como Caracas, conseguir los espacios para las actividades que nadie quiere —pero todos necesitamos—, puede convertirse en una labor titánica que, a juzgar por lo recurrente del tema, deberíamos hacer con mayor destreza. Sin embargo, es la torpeza lo que impera.

British Pavilion / Shanghai 2010

2010-05-10T12:00:00.000-07:00

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por Pedro Franco

CON UNA PROPUESTA que parece conjugar las ideas de lo tectónico y lo estereotómico —si se siguen los conceptos de Kenneth Frampton—, Inglaterra presenta para Shanghai 2010 una evocadora reminiscencia al Crystal Palace de John Pawson, obra cumbre de los recintos para las exposiciones universales.

Optando por una estrategia que la contemporaneidad arquitectónica ensaya constantemente, en una ansiosa búsqueda por conjugar la idea de lo sustentable con lo tecno, el proyecto del British Pavilion de Thomas Heatherwick destaca por la belleza del particular artefacto/dispositivo (Seed Cathedral), el cual se posa sobre una sinuosa superficie. Además, el conjunto albergará una muestra expositiva que dará relevancia a la diversidad vegetal.

…peluda semilla liviana mota que sensualmente juega con el viento hasta que se posa tambaleante modificando la superficie brindando nueva vida….

La Catedral de las Semillas es un bellísimo prisma constituido por miles de varillas de acrílico transparente que penetran a una sofisticada envolvente que se soporta en sí misma. Desde el exterior se percibe como un dispositivo cinético, debido al movimiento de las varillas por la acción del viento, mientras que en el interior, por el paso de la luz a través de las varillas y su particular ubicación en juegos de ondas sobre la superficie, se alcanza la sensación del especial misticismo de los templos. En la noche se dramatizan los efectos al incorporar luces de color que destacan las semillas de miles de especies vegetales que están dentro de las varillas.

El British Pavilion de Shangai 2010 es una excelente muestra de la afinidad entre el arte y la arquitectura. En una reinterpretación del tratamiento de la materialidad del Crystal Palace, el proyecto destaca las posibilidades de la estética arquitectónica contemporánea como la ligereza de las pieles/soportes de velada transparencia y la controlada reflexión y luminosidad de las superficies, condiciones de una sofisticada materialidad que animan a la experiencia desde un espacio que enaltece lo místico, la sensualidad y el libre espíritu.

http://www.archdaily.com/58738/uk-pavilion-for-shanghai-world-expo-2010-video/?utm_source=feedblitz&utm_medium=FeedBlitzEmail&utm_campaign=0&utm_content=383045

http://www.plataformaarquitectura.cl/2010/05/04/pabellon-de-uk-expo-shanghai-2010-heatherwick-studio/

http://www.dezeen.com/2010/03/31/uk-pavilion-at-shanghai-expo-2010-by-thomas-heatherwick-2/

http://www.ukshanghaiexpo.com/en/home.php

http://en.expo2010.cn/

http://www.urbanity.es/2010/pabellon-de-reino-unido-expo-shanghai-2010-heatherwick-studio/

Kenneth Frampton Frampton,K. Historia critica de la arquitectura moderna.1980

Crystal Palace Benevolo, L. Historia de la arquitectura moderna.1977

Arte y Arquitectura Schulz-Dornburg, J. Arte y arquitectura: nuevas afinidades. 2000

Caracas Roadshow

2010-05-10T11:25:00.000-07:00

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por Maya Suárez

CUANDO VI POR PRIMERA VEZ las imágenes de la serie Roadshow, de Huber Blanz, tuve la impresión que eran fotos aéreas de Caracas. A través del collage digital, el artista (re)construye un paisaje urbano (¿imaginario?) no muy distante de nuestra realidad. Autopistas, calles, puentes y distribuidores se solapan unos sobre otros como escaleras de Escher en un juego óptico que nos insita a buscar rutas y conexiones lógicas.

No hay árboles, no hay edificios, no hay habitantes, es un no-lugar, un paisaje para el auto, de topografías aéreas en acero y concreto, instantáneo y variable, sin memoria. ¿Es ésa la imagen de la ciudad del futuro? Las autopistas aéreas han sido, desde los futuristas norteamericanos de inicios del siglo XX, un símbolo de progreso y optimismo que aún hoy nos sigue sorprendiendo: enormes cintas de concreto que se entrelazan y cambian de dirección en el aire desafían la ley de la gravedad y retan nuestra comprensión espacial.

Caracas es la ciudad del futuro de los años 50, sus distribuidores aparecen como grandes portales en el eje este-oeste. ¿Quién no se emociona cuando, al subir de La Guaira, es recibido por esa inmensa araña que parece flotar en el aire? Bajamos la velocidad, pues su altura y sus curvas intimidan y desorientan: no tiene sentido tratar de comprenderla. Puede que eso nos confunda, por eso lo mejor es dejarse llevar por su sinuosa silueta, pensada así y allí para anunciar una ciudad que todavía hoy puede jactarse y presumir de lo que queda de su modernidad.